ver más allá de lo visible: marzo 2025

¿Existen intersecciones o puntos comunes entre la arquitectura renacentista, barroca y la abstracción geométrica?

Saverio Cecere, Solofra Italia 2025.

"Siglo XIX" Diseño gráfico creado por Orlando Acosta (2025),
basado en las dos caras del Dios Jano (Mitología Romana)

Es inusual escribir un texto partiendo de las respuestas para llegar a la historia que la generó. Es como los fotogramas de una película que también pudiesen reproducirse al revés. A la pregunta:

¿Existen intersecciones o puntos comunes entre la arquitectura renacentista, la barroca y la abstracción geométrica?

Permítanme responder con esta reflexión: el Renacimiento, el Barroco y la Abstracción Geométrica (esta última como parte de las vanguardias históricas nacidas a principios del siglo XX), representan tres procesos de transformación que son cruciales para la historia del arte universal. Si bien existen interacciones y puntos en común, sus instancias programáticas y contenidos difieren en su intencionalidad ya que son estéril para favorecer la situación artística; son los artistas, su forma de ejercer una conciencia del acto estético, lo que plantea elementos de reflexión y promueve las condiciones del arte (Baldine Saint Girons).

El uso de imágenes mágico-religiosas tienen orígenes muy antiguos. A partir de las diversas fases de su evolución, desde la prehistoria, pasando por el arte cristiano primitivo, el Renacimiento y el Barroco, y todo el aparato ilusorio y decorativo de la pintura y la arquitectura hasta el siglo XIX, un uso sistemático de la representación o de la imagen mágica primero, religiosa después, cuya tarea es transmitir un mensaje explícito que tenga un impacto directo en el pueblo. Este proceso de representación cambió radicalmente a principios del siglo XIX, los artistas, a través de la línea, la forma y el color, crean o inventan obras que van más allá de la representación objetiva de la realidad que incluía cambios en la tecnología, la ciencia y la filosofía, esto es la abstracción geométrica, un arte que no describe la realidad, sino que crea una completamente nueva que el espectador debe interpretar, cuya interpretación es un proceso que involucra múltiples niveles de comprensión incluyendo el estético, emocional, histórico y simbólico. Comprender plenamente la obra requiere una interpretación que va más allá de formas y colores. La abstracción geométrica o el mundo de la no representación crea una realidad completamente nueva, que el espectador debe interpretar y explicar su verdadero significado, o el que cree que es el correcto o más probable. En conclusión, la abstracción geométrica o el mundo de la NO REPRESENTACIÓN se opone al mundo de la REPRESENTACIÓN en todas sus formas y manifestaciones. Dos mundos diametralmente opuestos, tanto en contenido como en intenciones. Procedemos ahora a narrar los hechos que determinaron la respuesta antes mencionada.

"Ex nihilo nihil fit", o "nada surge de la nada". Esta máxima, pronunciada por primera vez en latín por Lucrecio, resonaba ya en el pensamiento de los griegos del siglo VI a.C., que habían intuido el concepto de «devenir»: todo tiene un origen, vive y finalmente, muere transformándose. El término “convertirse” es sinónimo de cambio. Se refiere a las metamorfosis que dieron origen al Renacimiento, al Barroco y a la Abstracción geométrica. Es evidente que se trata de tres fenómenos de distinta naturaleza y es en este aspecto en el que deseo centrar mi análisis. Procedamos en orden:

Vitruvio, el arquitecto que inspiró a Leonardo Da Vinci.

POR UN LADO, EL ARTE Y LA ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO se caracterizan por un énfasis en la armonía, las proporciones y la belleza clásica. Este estilo llevaba el sello de la ilusión perceptiva, que es la antigua técnica de dibujo que el arquitecto Marco Vitruvio Polión (Roma c. 80 a.C.-70 a.C.) llamó escenografía, utilizada principalmente para la creación de telones teatrales, para crear imágenes ilusionistas. El arquitecto argumentó que en escenografía "las líneas deben corresponder naturalmente a la visión de los ojos y a la extensión de los rayos, fijando un punto determinado como centro, de modo que las imágenes determinadas por la apariencia reproduzcan la apariencia de los edificios en las pinturas escénicas y las figuras en alzado plano aparezcan ahora hundidas, ahora prominentes". En la perspectiva inventada por Brunelleschi, el carácter de ficción mágica, perfectamente adherida a la imagen realmente percibida por el observador, fue decisivo para el éxito de esta nueva técnica tanto entre los artistas como entre los mecenas y usuarios de las obras de arte. La rápida evolución de las técnicas de perspectiva permitió a los grandes maestros del Renacimiento experimentar con elaboradas representaciones en perspectiva, no sólo en pinturas sobre madera o lienzo, para dar un entorno realista a la composición, sino también en entornos construidos, para crear efectos ilusionistas. Una de las áreas en las que demostró su intuición de la perspectiva en la decoración de bóvedas y cúpulas. La dificultad de pintar en perspectiva sobre superficies curvas fue estudiada por pintores como Leonardo da Vinci, Piero della Francesca y Andrea Mantegna (https://www.didatticarte.it/Blog/).

Leonardo da Vinci, Última Cena (1494-1497)

Piero della Francesca La adoración del Árbol Sagrado por la Reina de Saba y

El encuentro entre Salomón y la Reina de Saba, 1452

Andrea Mantegna - Cristo muerto

(también conocido como Lamentación del Cristo muerto).

Si bien por una parte la presencia de reglas matemáticas confiere a la ilusión de perspectiva renacentista un carácter objetivo, por otro lado, sin embargo, las elecciones que establecen estas reglas son de naturaleza profundamente subjetiva (como la posición del punto de fuga, la distancia del espectador, la altura del horizonte). Este método de representación en perspectiva, hoy tan arraigado que parece completamente natural, ha sido cuestionado por algunos movimientos nacidos a principios del siglo XX, como el cubismo, que ha demostrado que es simplemente una ilusión de representación figurativa.

Un siglo después, en el panorama del arte figurativo del siglo XVI, la decoración al fresco representa una experiencia fundamental en la que se realizan al máximo grado los aspectos más impactantes y espectaculares de la poética barroca. En los vastos espacios decorados con frescos en el interior de palacios e iglesias, los artistas afirman sobre todo la confianza en el talento y la técnica capaces de suscitar ilusiones, sugerencias y emociones. Como escribe Briganti, “poner el mundo en escena” se convierte en la aspiración de los grandes decoradores barrocos que, habiendo recuperado la plena confianza en sus propios medios expresivos, multiplican los instrumentos adecuados para sugerir “el nuevo sentimiento torbellino y centrífugo de la infinitud de la naturaleza”. Esta visión del mundo, tan moderna y vital, esta renovada exuberancia creativa se vincularon pronto a las aspiraciones de una pequeña minoría laica y eclesiástica que, en el contexto de condiciones históricas más favorables, dio al arte una investidura oficial, transformándolo en un eficaz instrumento de persuasión de propaganda política y religiosa (tomado de Historia de las civilizaciones europeas editado por Umberto Eco, edición en 75 libros electrónicos).

Un ejemplo del efecto de ilusión nos lo ofrece la fachada de la Basílica de San Pedro, construida por Bernini y terminada en 1656 por el Papa Alejandro VII.

Por otro lado, la VANGUARDIA HISTÓRICA (Abstracción Geométrica) representa una era innovadora y crucial en la cultura del siglo XX, caracterizada por un ferviente deseo de romper con las convenciones del pasado y explorar nuevas fronteras creativas.

Obra de Georges Braque

A partir cubismo analítico que busca una formulación arquitectónica ordenada y de naturaleza abstracta que valga como una visión total de los objetos, elaborada a partir de sus elementos constructivos, ha delegado la tarea de representar la realidad a la imagen fotomecánica. En su desarrollo analítico y sintético, el cubismo se erige históricamente como una encrucijada de la que se derivan dos direcciones opuestas en las artes visuales: una figurativa y otra no figurativa. La primera, figura emergente, se origina en el elemento constructivo, dando lugar a movimientos como el futurismo, el dadaísmo y el surrealismo, con su dimensión onírica, mientras que la segunda, emancipándose de la figuración, ha dado paso a un proceso de geometría pura, cuyas raíces se pueden rastrear en las obras de Kandinsky, Mondrian, Kazimir Malevic y los constructivistas rusos. (Arden Quin - catálogo de la exposición Miscelánea, comisariada por Elide Rusolo y Saverio Cecere, Avellino 1994).

Kandinsky, Composición VII, 1913

Piet Mondrian, Composición en rojo, amarillo, azul, blanco y negro, 1921.

21 de las 39 obras expuestas por Malévich en la exposición 0,10. 1915

El monumento de Tatlin del 1919

Kazimir Malevich, reconocido como uno de los pioneros de la abstracción geométrica, argumentó que la tarea del arte no era imitar la naturaleza. Según él, el único lenguaje auténtico era el de la abstracción total, basado en formas geométricas esenciales y colores fundamentales. El artista definió el suprematismo como “el predominio del arte sobre la objetividad de las apariencias reales”. Esta nueva vanguardia fue teorizada por primera vez en 1915 a través del Manifiesto Suprematista, redactado junto con el poeta Vladimir Mayakovski. Ese año, durante una exposición en Petrogrado, hoy San Petersburgo, se presentaron al público las primeras obras suprematistas. Dos años más tarde, en 1920, Malevich desarrolló aún más sus conceptos en el ensayo "Suprematismo", que esbozaba un mundo de no representación. Kazimir Malevich es comúnmente reconocido como el padre de la abstracción geométrica, pero el mismo reconocimiento también le corresponde a Joaquín Torres García.

Obras de Joaquín Torres García.

Portada de la “Revista Arturo” de Tomás Maldonado

Carmelo Arden Quin - Alternance, 1945

En 1934, a su regreso a Montevideo - Uruguay, Torres García publicó la revista "Círculos y Cuadrados", una importante continuación de "Cercle et Carré", fundada en París en 1929. Esta revista resultó fundamental para orientar el desarrollo de la publicación "Arturo y de Madí", fundada por Arden Quin. Junto con Torres García, estos artistas situaron la investigación estética latinoamericana en la cúspide de la abstracción. Estos grupos han tenido un impacto duradero en el arte geométrico de los siglos XX y XXI, no sólo en Argentina, sino también en Estados Unidos, Europa y Venezuela. Este último país se ha consolidado, desde la década de 1950, como uno de los más dinámicos y modernos de América Latina, gracias a una amplia variedad de expresiones artísticas, desde lo clásico hasta lo popular, pasando por lo moderno y lo contemporáneo. Un momento crucial se produjo con el encuentro entre los artistas del grupo “Los Disidentes”, pioneros de la abstracción geométrica en Venezuela, y los creadores del Movimiento Madi, quienes se reunieron en Buenos Aires en 1946 y se expandió a París. A partir de 1951 asistimos al nacimiento de la verdadera modernidad pictórica en Venezuela, con un número creciente de artistas dedicados al arte abstracto geométrico que llegó al centenar. Con el tiempo, sin embargo, los contactos entre los venezolanos y el grupo Madi se desvanecieron, pero estos cambios no fueron principalmente por desacuerdos artísticos, aunque algunos artistas se sintieron atraídos por temas diferentes, pero aún no compartidos con los primeros artistas geométricos venezolanos.

En el campo de la arquitectura es importante recordar que el arquitecto Carlos Raúl Villanueva comenzó a diseñar la Ciudad Universitaria de Caracas en los años 1940 e iniciando la construcción en los años 1950.. En la Ciudad Universitaria, Villanueva pudo materializar plenamente lo que en su trabajo fue una búsqueda temprana: la integración de las artes, convocando para esta experiencia a toda una generación de artistas venezolanos, como Miguel Arroyo, Armando Barrios, Carlos González Bogen, Pedro León Castro, Mateo Manaure, Francisco Narváez, Pascual Navarro, Alirio Oramas, Alejandro Otero, Héctor Poleo, Víctor Valera, Oswaldo Vigas y a importantes artistas internacionales de la talla de Jean Arp, André Bloc, Alexander Calder, Wilfredo Lam, Henri Laurens, Fernand Léger, Baltasar Lobo, Antoine Pevsner y Víctor Vasarely; quienes realizaron obras de arte armónicamente integradas a los distintos edificios y espacios de la Ciudad Universitaria considerada internacionalmente como el primer proyecto y uno de los mayores logros en el campo de la integración de las artes y arquitectura.