octubre 28, 2024

ESTÉTICA POST-UMANA

Las dimensiones del ser humano 
en la era de su producibilidad algorítmica

Saverio Cecere, Solofra, Italia, octubre 2024.

 

En la mitología y el culto, el número 3 es la expresión de la Trinidad (un encuentro de dioses en grupos de 3), como símbolo de unidad sustancial.

Es cierto - comenta Raffaello Vizioli - que la trinidad domina nuestra cultura. De hecho, si pasamos del campo de la teología a la ciencia del cerebro y la mente, "redescubrimos" una concepción trinitaria similar. Platón describe el alma como un par de corceles conducidos por un Hombre que gobernaba los caballos de los carros en las carreras de circo en Grecia y Roma.

Trinitario es también la concepción del científico Mac Lean: el cerebro es una estructura que consta de tres formaciones superpuestas: el cerebro reptil, el cerebro límbico y el neocerebro. La analogía con la Santísima Trinidad - explica Vizioli - no es sólo formal, en el sentido de que las tres "constituyen" un cerebro funcional unitario, es decir, "un cerebro trino". 

El hombre en tres dimensiones: física, psíquica y espiritual. De esto hablaré hoy a través de un interesante texto de Marinella De Simone titulado "Las tres dimensiones de lo humano" publicado en Wall Street International Magazine el 10 de marzo de 2021.

 


“Si te quedas en silencio, puedes escuchar cada sonido en su esencia. Aprendamos, pues, a no aturdirnos con palabras vanas durante el día, a no ceder al ruido del mundo. Aprendemos a escuchar el bajo continuo que puntúa el canto innato que está dentro de nosotros, que se encuentra en el fondo del alma que es, capaz de resonar con el Alma universal, puede sorprendernos con su inmensidad. Saber que tienes alma o ignorarla no es lo mismo. Saber que se tiene alma significa estar atento a los tesoros que se pueden ofrecer en la grisura de los días, que se practica en enterrar todo. Tesoros descubiertos, que ya no confiamos al polvo del desván, que guardamos en lugar de tirarlos al viento. Voluntariamente o sin nuestro conocimiento, iniciamos entonces un proceso en el que el cuerpo carnal se satura en función del alma, y el alma, educada por el cuerpo, pero sin someterse a él, se convierte en una entidad cada vez más autónoma y carnal (François Cheng, El alma. Siete cartas a un amigo, Bollati Boringhieri, 2018).

 


Las tres dimensiones del ser humano:  los aspectos materiales, sociorelacional y espiritual son inseparables y no pueden ponerse al mismo nivel. Mientras el material expresa las necesidades a satisfacer, el sociorelacional y espiritual expresan los valores de la persona.  

Ninguna de estas dimensiones puede anularse y cada una de ello necesita de la otra para garantizar el bienestar de la persona. La relación entre estos tres aspectos de la dimensión humana es multiplicativa y no aditiva: uno de ellos no puede crecer en detrimento de otro, todos deben estar presentes, bajo pena de pérdida total no sólo del bienestar humano, sino de la dimensión humana misma.

Muchos de nosotros estamos familiarizados con la "pirámide de necesidades" de Maslow, en cuya base están las necesidades primarias, como las fisiológicas y la necesidad de seguridad, luego están las necesidades sociales y relacionales, la necesidad de afecto y estima, y finalmente las necesidades de autorrealización. Esta pirámide presupone un orden de prioridad en la satisfacción, primero necesitamos haber satisfecho las necesidades fundamentales de subsistencia para poder dedicarnos después a las relaciones.  Sin embargo, esto no es correcto, ya que el bienestar humano no sigue una sucesión temporal en la que primero se puede satisfacer una categoría de necesidades y luego las demás, sino que las tres dimensiones deben estar presentes al mismo tiempo.

Es esencial que la dimensión material sea satisfecha en sus necesidades fundamentales, para asegurar la supervivencia de todos. Pero para vivir una vida plena, digna de ser vivida, es necesario que también se reconozcan y desarrollen la dimensión socio-relacional y la dimensión espiritual.

La dimensión material concierne a nuestra supervivencia biológica, pero no puede ir más allá. No es a través de esta dimensión podemos engañarnos a nosotros mismos y vivir una vida plena. La palabra 'sobrevivir' se compone de dos palabras, encima y vivir, es decir, vivir por encima de los demás, vivir más que los demás. Es un concepto que lleva consigo el significado de vivir más allá de la muerte de otros, como el superviviente de un accidente aéreo o de un terremoto en el que murieron otras personas. Sobrevivir trae consigo la lucha contra la muerte, la propia y la ajena.

Ser el más fuerte, o el más apto para sobrevivir, se convirtió en el pensamiento dominante a partir del siglo XIX y alimentó y justificó toda una serie de corolarios que todavía hoy nos influyen profundamente. Los corolarios de este pensamiento son, por ejemplo, la competencia como palanca de superación personal y social, la acumulación de riqueza como manifestación del éxito, el éxito como confirmación social de ser el mejor: todo esto lleva a la consiguiente condena social y moral por aquellos que no lo lograron.  

La supervivencia lo justifica y lo traga todo. Nos hemos hipertrofiado con alimentos, objetos, dinero, en un vórtice de necesidades materiales por satisfacer que se alimenta de sí mismo. En esta perspectiva, no hay espacio para el desarrollo de las habilidades sociales y relacionales de la persona, que no pueden justificar su existencia, donde entran en conflicto con las necesidades de supervivencia que dominan todo el contexto social. Para reconocer la importancia de las otras dos dimensiones de lo humano, es necesario abandonar una visión de la vida como mera supervivencia y comprender, abrazándola dentro de uno mismo, la necesidad de vivir una vida plena, una vida que sea buena para cada ser humano.

Las tres dimensiones de lo humano corresponden a las tres dimensiones del bienestar del hombre: bienestar material, bienestar sociorelacional y bienestar espiritual. El bienestar material concierne a la relación del hombre con los bienes y servicios: es una relación de utilidad basada en el tener. Es en eso en lo que ha centrado su atención la doctrina económica dominante, olvidando las otras dimensiones del bienestar humano.

El bienestar sociorelacional concierne a la relación del hombre con otras personas: familia, amigos, compañeros y el entorno social en general, y se basa en una relación recíproca que allana el camino hacia la felicidad. Los bienes a los que se hace referencia son bienes sociorelacionales, bienes que también tienen un valor intangible al estar incluidos en una relación social. Una parte de la doctrina económica -la economía civil- se ha ocupado, cada vez más en los últimos años, de este tipo de bienes y de los principios en los que se basan. Si el bienestar socio-relacional estuviera regido por una relación de utilidad, como sucede a veces, se produciría un sufrimiento muy elevado para las personas involucradas, que se sentirían tratadas como herramientas o, peor aún, como objetos a explotar.

El bienestar espiritual se refiere a la relación con los bienes espirituales, bienes intangibles como la equidad, la dignidad, el alma. La relación con estos bienes es de trascendencia, de sacralidad, de amor universal: va más allá de uno mismo para llegar al sentimiento de pertenencia a algo más grande y más profundo que nos une a la esencia misma de la vida.

Para garantizar el bienestar social de una comunidad es necesario, en primer lugar, reconocer estas tres dimensiones: sólo así se podrán proteger y ayudar en su desarrollo. Desafortunadamente, el concepto de desarrollo se ha confundido a menudo con el concepto de crecimiento, lo que ha llevado a la paradoja de un crecimiento teóricamente ilimitado de sólo algunas dimensiones de la vida humana. Sin embargo, ni siquiera biológicamente es posible tener un crecimiento infinito, siendo el crecimiento de cualquier ser vivo un proceso sublineal limitado en última instancia por la muerte. El crecimiento ilimitado desde un punto de vista social y económico - como el crecimiento de las megaciudades o de la producción de riqueza, conduce a distorsiones inevitables que todos conocemos bien, como las desigualdades sociales y la destrucción de nuestro propio planeta. Como nos recuerda Stefano Zamagni respecto de las causas sociopolíticas de las desigualdades, es necesaria una distinción clarificadora entre los dos términos "crecimiento" y "desarrollo", utilizados a menudo como sinónimos. Etimológicamente, desarrollo significa sin enredos, es decir, sin ataduras y cadenas que impidan la libertad de actuar. Por lo tanto, el desarrollo humano tiene un vínculo directo con las libertades reales que las personas pueden disfrutar al realizar las tres dimensiones humanas como formas de "capacidad" o "capacidad de acción" que permiten la plena manifestación de una buena vida.

La dimensión material se ha vuelto hipertrófica, reduciendo las otras dos al mínimo. Es, sin embargo, de fundamental importancia reconocer las otras dos dimensiones - la sociorelacional y la espiritual- para contener la dimensión material en el contexto que debe ser el suyo.

El reconocimiento de la dimensión socio-relacional sólo está cobrando fuerza en los últimos años, en los que se va afianzando cada vez más la visión del hombre no como una mera individualidad sino como un "animal social", aceptando la importancia fundamental del ámbito social y relacional de toda acción humana.

La dimensión espiritual, sin embargo, está casi completamente ausente incluso en nuestras conversaciones, convirtiéndose en algo de lo que avergonzarse hablar públicamente. Al relegarlo a la esfera más íntima, a menudo se ha confinado a la esfera religiosa únicamente de la persona, sofocando la necesidad de manifestar el amor universal en su amplitud y plenitud como elemento esencial de la propia existencia humana.

Mientras que el ámbito material nos asemeja a cualquier ser vivo, el ámbito socio-relacional nos asemeja, a pesar de la diversidad, a otras especies animales y vegetales que muestran interacciones sociales grupales y comportamientos colectivos. Si privamos a una persona de la esfera material, no podría sobrevivir como cualquier otro ser vivo. Si privamos a una persona del ámbito socio-relacional, la falta de inclusión social, de afecto, de estima y de comprensión por parte de otras personas le provocaría un agotamiento psicológico y emocional que derivaría en sufrimiento y enfermedad. Sin la esfera sociorelacional creada por una densa red de conexiones, incluso los árboles - según los estudios más recientes - las personas se enferman más fácilmente y mueren. Si privamos a una persona de su esfera espiritual, ¿qué le quedaría? Quizás sea el aspecto que más nos caracteriza como seres humanos, distinguiéndonos de otras formas de vida -plantas y animales- que muestran tanto el ámbito material como el sociorelacional.

En la historia de la humanidad se han repetido casos de deshumanización no sólo de personas concretas, sino de comunidades enteras, justificadas por razones de raza, religión, cultura, sexo, discapacidades físicas. Estos procesos de deshumanización pasaron por la cancelación de la esfera espiritual de las personas: al negar su dignidad y la existencia misma de un alma, su vida ya no valía la pena ser vivida. Eliminar la esfera espiritual, por ejemplo, al no reconocer la dignidad de la persona - hace que la persona misma sea superflua, no sólo con una vida que no vale la pena vivir, sino que ni siquiera es digna de ser vivida. Por eso es tan importante devolver el espacio necesario a la dimensión espiritual del hombre. Sin la dimensión espiritual, perderíamos nuestra humanidad, lo que nos hace tan vulnerables y poderosos al mismo tiempo."

 


En la era de la obra de arte en su producibilidad algorítmica, ¿Qué significa devolver la dimensión espiritual del hombre? Una posible respuesta nos la ofrece Blaise Pascal: “en el mundo son posibles dos formas distintas de conocimiento, a pesar de partir de dos supuestos diferentes. Por un lado, "l'Esprit de géométrie", también conocido como espíritu de la geometría, que es el conocimiento racional, analítico, que se obtiene de forma aséptica con la razón. Por otro lado, "l'Esprit de Finesse" o Espíritu de Finesse, que en cambio expresa el conocimiento existencial y cuantos son los movimientos de Su Alma y Su "Corazón". Para comprender los fundamentos y elementos de la Existencia y de toda la Humanidad, se necesita el "Corazón", entendido como el punto de apoyo de la Interioridad Humana. Es con "l'Esprit de Finesse" que tenemos la posibilidad de llegar al "Corazón" de nosotros mismos, de las cosas y de los demás, que tanto elogió Pascal”. En otras palabras, "l'Esprit de géométrie", y "l'Esprit de Finesse" son expresiones de un espíritu unificado que habita el universo, y que puede tomar vida y manifestarse de un modo trascendente y resplandecer en las pequeñas cosas de la vida. Captar ese todo unificado es posible desde las posibilidades liberadoras que brinda el pensamiento complejo. Dado que el trabajo espiritual y los desafíos de la psicología profunda son aspectos interconectados de una misma realidad: el tema de la dimensión psicológica del arte y de la belleza, más que referirse a la naturaleza intrínseca de la obra de arte, toma el tema de la actitud mental con la que el observador enfrenta la experiencia estética y al inconsciente colectivo. El concepto de inconsciente colectivo fue propuesto por Carl Jung, a mediados del siglo XIX. A grandes rasgos hace referencia a una dimensión que está más allá de la consciencia y que es común a la experiencia de todos los seres humanos.


octubre 20, 2024

ARTE Y ECONOMÍA


Teoría y práctica artística: 
“la Passion  Economy”  -  arte y economía.

Saverio Cecere, Solofra, Italia, octubre 2024.

¿Qué hacemos para evitar renovar continuamente el mundo? Inventamos “La passion economy” (“Economía de la Pasión” o “Economía del Creador”). Que historia más extraña: hoy que el arte está de moda, en una sociedad donde todos son artistas, la economía de la pasión (término acuñado por el periodista económico Adam Davidson), se refiere a "actividades amateurs, artesanales, creativas y profesionales crean nuevas cadenas de valor". Es una economía, que se basa en ser autoemprendedores, profesionales que buscan un trabajo que les dé satisfacción y que han cuestionado su trabajo porque “el dinero y el éxito” no son suficientes en la vida. En tan absurda actividad, que no sabemos si la muerte del arte está relativamente lejana, o es probable que sea realmente inminente.

Empecemos diciendo que el artista es la persona que crea, desarrolla o produce obras de arte. Lo que se entiende por artista deriva de la familia léxica de la palabra: arte (del latín ars, artis, y este calco del griego τέχνη (téchne). Dado el cambio de significado de la noción de arte, el término artista puede definirse o estudiado desde un punto de vista histórico; identificando al artista como todo aquel capaz de "crear" (y no sólo reproducir) a partir de su propia inspiración.
 

Hoy, el sueño de convertirse en artista se ha transformado radicalmente. Si bien alguna vez el arte y el artista fueron vistos como un privilegio de unos pocos, hoy, en la era digital, se ha abierto un universo de posibilidades. El siglo XX se caracterizó por el nacimiento de varios movimientos dominantes e importantes para la historia del arte. Repasando los últimos movimientos podemos ir del cubismo, al futurismo, del dadaísmo al surrealismo, del pop al conceptual y al minimalismo hasta los años 80 y 90 con movimientos y estilos bien definidos que todavía nos falta etiquetar. “¿Cuál será entonces el movimiento del siglo XXI? creo que la verdadera tendencia artística que dominará este siglo es algoritmo y la capacidad que tiene de poder razonar, aprender, planificar e incluso realizar actividades creativas y obras de arte. Hoy, en la era digital, los avances tecnológicos (inteligencia artificial) y los cambios socioeconómicos, como el auge de la economía de los creadores, han revolucionado la forma en que las ideas artísticas toman forma y llegan al público. Este nuevo panorama ofrece herramientas sin precedentes para la creación y difusión del arte, democratizando el campo y haciendo del arte un terreno fértil para la expresión personal caracterizada por la inmersión total y el dominio de las tecnologías digitales y las redes sociales. Estos artistas son emprendedores de su propia creatividad y utilizan herramientas avanzadas como la inteligencia artificial para ampliar sus horizontes creativos.
 

Inteligencia artificial


 
Arte digital


¿Qué significa democratización del arte?
 

“Gilles Lipovetsky, entrevistado en el Festival de Filosofía Modena-Arti 2017, habla sobre los efectos del capitalismo artístico en el sentido estético y la nueva relación entre arte y economía. Hoy en día la gente hace zapping constantemente, come en restaurantes de comida rápida, ya no experimenta el placer de saborear cosas bellas, hasta el punto de que se habla de pauperización y proletarización de los consumidores, pero Lipovetsky cuestiona esta visión negativa, argumentando, por el contrario, se está produciendo una democratización del sentido estético. Hoy todo el mundo escucha música todo el tiempo, el turismo es un consumo estético en el sentido de buscar emociones, impresiones inútiles, como decía Paul Valéry "El turista no tiene un propósito utilitario, sino que viaja por placer estético". En un museo, por ejemplo, el consumo estético es de carácter turístico, la gente consume rápidamente, pero no deja de ser una dimensión estética”.

En la nueva relación entre arte y economía, ¿es posible priorizar algo más que la productividad? el artista, interactuando con el público en múltiples plataformas y creando una marca personal fuerte y reconocible, gestiona su carrera como un negocio. Los cambios culturales y económicos que hemos experimentado en los últimos años han proporcionado una alternativa: La “Economía de la Pasión”, o “Economía del Creador”  que promete y permite una nueva forma de trabajar para que cualquier persona con un hobby recreativo y una gran experiencia en la materia, pueda difundir su mensaje y su voz; encontrar múltiples formas de monetizar estas pasiones: debe ser capaz de crear asombro, admiración, éxtasis pero también hacer que la gente sienta shock, asco, molestia. La búsqueda de materiales que catalicen el mensaje creativo constituye hoy el elemento fundamental del artista, que ya no produce obras de museo, sino que trabaja en un campo de acción indefinido e indefinible: el cine y la literatura,   pero también las redes sociales y el multimedia, son los contextos más manipulados y reelaborados por esta nueva generación de artistas que, conscientes de las implicaciones positivas pero sobre todo negativas del progreso frenético de las innovaciones tecnológicas,  están interesados en provocar una reacción emocional; lo que importa no es tanto la interpretación estética de una obra, sino el efecto que provoca: objetos insignificantes, comunes y banales se convierten en esculturas -o tal vez sea más correcto definirlas como "instalaciones"- que identifican la necesidad del artista contemporáneo experimentar con la hibridación de la forma en un lenguaje enriquecido con otras connotaciones, donde  realidad e imaginación se fusionan y confunden en un aspecto reconocible y ajeno. Estamos ante la traducción de la "Obra de arte" hacia el "Objeto de arte", operación con la que el artista contemporáneo declara su derecho a registrar el espacio y la forma en un proceso que desata el arte de sí mismo, dispersándolo en espacios expresivos y distancias sin barreras.

El arte es el espejo de la sociedad por lo tanto, no puede hacer otra cosa que interpretarla en su forma y contenido: si las formas son imperfectas y confusas es porque es el contexto en donde nació. El arte del siglo se cae en una instrumentalización filosófica, es la demostración de la no autonomía del momento estético, del carácter investigador del arte contemporáneo, que trabaja sobre la conciencia de la propia muerte entendida como fenómeno puramente estético o estetizante (Umberto Curi, RAI-cultura),  pero el arte no morirá y lo explica muy claro Gilles Lipovetsky, en un texto publicado en RAI cultura: “El placer que hoy sentimos por la belleza, por la novedad, es generalizado y gran parte de la evolución depende de nuestro sistema escolar, que está llamado a despertar deseos de calidad, afinando el sentido estético. Pero esto no es simplemente un efecto del capitalismo y el Estado, a través de la escuela, tiene una responsabilidad específica en este sentido. En consecuencia, en estas condiciones podemos retomar la famosa profecía de Hegel que anuncia la muerte del arte. Se habla mucho, por ejemplo, de la muerte del cine, a veces incluso de la muerte de las artes plásticas, pero esta visión pesimista no puede ser compartida: el arte no está muerto, sino renovado. ¿Por qué el arte no está muerto? Porque su asociación con el mundo del dinero o de los negocios no destruye la necesidad de creación o de belleza. A partir del siglo XV, los artistas siempre han tenido contratos de la Iglesia o de los príncipes que les imponían limitaciones muy estrictas. Hoy las limitaciones son de otro orden, pero, como decía Nietzsche, la limitación es necesaria para el arte, no es su enemiga. Se objeta que el vínculo del dinero mata la creación, pero las cosas no son así, porque en el arte contemporáneo, es cierto, hay muchos aspectos que suscitan cierto escepticismo, pero a pesar de todo se crean obras magníficas. Estamos en presencia de una sobreabundancia de producción artística, por lo que no faltan cosas mediocres o repetitivas, pero esto sucede simplemente porque la cantidad es considerable. Nos encontramos ante una situación nueva: el arte está cada vez más vinculado a la dimensión del mercado, pero con el mercado es posible hacer “lo peor y lo mejor". La idea de que el arte debe ser hermético y no debe tener éxito comercial está obsoleta. Hay éxitos comerciales que presentan una verdadera calidad artística, es decir, creativa. Además, aunque las grandes estrellas del arte contemporáneo están vinculadas al mercado, también hay numerosos artistas a los que no les interesa en absoluto ser comerciales: es el sistema el que rápidamente se apodera de ellos y les hace triunfar. La idea de la muerte del arte no es el enfoque adecuado para comprender la situación contemporánea, que se caracteriza más bien por una nueva relación entre arte y economía, que se comunican entre sí y esto conlleva riesgos, pero también muchas oportunidades”. 

 

Colonialismo digital

Para finalizar, no muchos de nosotros somos conscientes de esto, pero todos ya somos cyborgs que, en un sentido aún más amplio, es cualquier individuo que depende en gran medida de dispositivos y artefactos tecnológicos para tomar decisiones, pensar, comunicar y crear. El ser humano se ha vuelto una sola cosa con las tecnologías digitales que, han mantenido vivas las relaciones existentes mientras que otras nuevas se han formado enteramente en las pantallas de computadoras y teléfonos: múltiples redes de colaboración, solidaridad y conspiración se han desplegado a través de los cables submarinos de fibra óptica de la red que, irónica o trágicamente, hoy resaltan las rutas navales del colonialismo. Por colonialismo digital se entiende el despliegue de un poder imperial a través de nuevas normas, diseños, lenguajes y culturas, así como creencias que sirven sus intereses. En el pasado, los imperios expandían su poder a través del control de activos estratégicos como las rutas de comercio o los metales preciosos, en cambio hoy, en la actualidad este proceso es similar a los modelos históricos de colonización, en los que los recursos y el poder se distribuían de forma desigual, pero con la diferencia de que las «materias primas» actuales son los datos digitales.

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octubre 13, 2024

PSEUDO SOCIEDAD

(Saverio Cecere, Solofra-Italia, octubre 2024)

Como en otras ocasiones, tuve la oportunidad de discutir cuestiones ingenuas, abortadas, mal formuladas sin haber ejercido la suficiente autocrítica. Aunque cada solicitud no conduce a una respuesta exhaustiva, proporcione más respuestas sobre temas específicos.

Qué significa ser un pseudo? Es proveniente del griego ψεῦδο y significa falso. Indica una imitación, parecido engañoso o falsedad, y se coloca antes de la disciplina, profesión, concepto, persona o cosa a la que se parece, o aquello que es directamente falso.

Somos millones de artistas o pseudo artistas en el mundo de la pintura y la escultura, excelentes carne de cañón para quienes, desde hace algún tiempo, deciden alimentarse de nosotros, como las pseudo galerías que se han transformado en simples muros de alquiler; como algunos pseudo comisarios que actúan sin verdadera preparación y sólo hacia pseudo artistas pagados, o como ciertos pseudo catálogos de arte, que, a pesar de la participación de nombres altisonantes a los ojos de las masas, sólo encuentran verdadera difusión entre los mismos pseudo artistas pagados. , ingenuamente orgullosos de aparecer allí y disfrutando de la envidia de sus pseudo colegas.

Intentaré resumir en algunos puntos las principales características adecuadas para identificarnos.

Partamos de un supuesto: un artista no necesariamente tiene que conocer todos los hechos de la historia del arte pero fundamentalmente debe conocer sus principales características. Debe asistir a exposiciones y conocer artistas reales. Debe leer. Debe estudiar, no por nociones sino para captar la esencia, pero sobre todo debe investigar mucho antes de exponer siquiera una sola obra. Sin poseer la historia del arte en sí mismo es imposible crear algo nuevo. Así como hay muchos "pseudo poetas" que escriben miles y miles de versos, sin haber leído ni estudiado primero los poemas de los grandes maestros, también hay muchos "pseudo artistas" que no saben casi nada ni del Renacimiento ni del dadaísmo, ni del surrealismo ni del expresionismo, ni de la abstracción geométrica. ¿Alguna vez llamarías chef a alguien que nunca ha cogido una sartén? Ciertamente no. Sin embargo, con el arte, a veces, también lo he hecho yo.

Analfabetismo técnico.

La gran mayoría de artistas no sabe retratar la realidad, a lo sumo la imita de forma elemental. Con la excusa de que el arte contemporáneo está todo para codificar, para interpretar en una segunda o tercera lectura y que muchas veces las obras, simples en su creación, son en realidad fruto de un proceso complejo que duró años, lo representan todo y de de todo, incluidos horrores de todo tipo, intercambiando sencillez por facilidad. Al no entender el arte, ellos mismos piensan (o al menos esperan) que los usuarios (o las víctimas) sean igualmente ignorantes. La solución correcta sigue siendo siempre la investigación, una palabra muy subestimada. Con la investigación artística, con mucha experimentación, esfuerzo y sudor, se puede aprender casi cualquier cosa. Quizás no todo el mundo pueda ser un genio pero al menos puedes convertirte en un artista decente, con compromiso y sentido de responsabilidad.

Otro elemento que revela a los pseudo artistas es su currículum: creen que al llenarlo con decenas y decenas de exposiciones, tal vez empapándolo todo con algunos nombres exóticos y sonoros de ciudades extranjeras, ganan algo en términos de autoridad. , en el ranking de consideración de los demás. No tienen un gran evento que los represente y por eso lo reemplazan con diez pseudo eventos sin valor artístico. Los pseudo artistas no comprenden que, en el mejor de los casos, pueden obtener como máximo la satisfacción de amigos o conocidos, o peor aún, contactos sociales, especialmente aquellos que no entienden nada de arte. Es mejor tener dos o tres exposiciones verdaderamente prestigiosas que veinte de las que avergonzarse para siempre.

Estos artistas representan la poética del Kitsch, que es un estilo artístico considerado "pobre", "sumiso", "de mal gusto" o "banal" y, en definitiva, vulgar, aunque pretencioso y por tanto no simple ni clásico ni ingenuo, sino en De mal gusto y regresivo o infantil. Theodor Adorno ya percibía el kitsch en términos de lo que llamó la industria cultural, donde el arte es controlado y planificado por las necesidades del mercado y se entrega a personas pasivas que lo aceptan. Lo que se comercializa es un arte inmutable y formalmente inconsistente, pero que sirve para dar al público entretenimiento y algo que mirar. Según esta perspectiva son la falta de originalidad o imitación y la pretensión, el "deseo de aparecer"; En este sentido, todas las imitaciones y copias son manifestaciones de kitsch y del uso de materiales no auténticos, sustitutivos o inadecuados en este tipo de trabajos.

La falta de originalidad se explica por la mala calidad de los políticos, quienes en su mayoría proponen personajes poco calificados, incompetentes, carentes de visión estética y propuestas dignas de un administrador público digno, al fin y al cabo, los políticos provienen del pueblo, que obviamente también lo es; el de una opinión pública que en gran medida no es mejor que sus propios gobernantes y, por tanto, incapaz de votar por ellos con sensatez o juzgar sus acciones. Una opinión pública que, como hemos visto en los últimos treinta años, se deja engañar en gran medida por vendedores de humo, vendedores ambulantes e incluso aficionados en riesgo. Por no hablar de las extrañas teorías y supersticiones que una gran parte de la misma opinión pública está dispuesta a creer con igual ignorancia, poniendo a veces en peligro la propia seguridad pública. No hay que olvidar que entre los pseudo curadores y pseudo historiadores del arte, también hay quienes miman con cariño a muchos de estos artistas con un fin político, además de económico. ¿Pero cómo? “¿Puede la política volver a entrar también en el mundo del arte?”. Ah, sí estamos: aquí el pseudo historiador del arte, el pseudo político, el pseudo profesor, el pseudo alcalde pagado, también encontraran pseudo partidos politicos de uso personal para ocupar tantos escaños como fuera posible. Como puedes ver hay mucha confusión en el sector.

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...a ver, por qué crees que esta sociedad cada día es más pseudo sociedad?