La visión más allá de la imagen.
Orlando Acosta, Naples, FL USA
Theo van Doesburg / Counter-Composition XIII (Contra-Compositie XIII)
¿Cómo nace una obra de arte? ¿De qué meandros profundos de la mente del artista se originan las imágenes que vemos? Intenta imaginar lo que habrían logrado los padres del constructivismo o del neoplasticismo con las nuevas tecnologías y materiales que los artistas contemporáneos tienen a su disposición. Solo podemos imaginarlo, lo que sí sabemos es que después de más de cien años, podemos ver que las vanguardias históricas del siglo XX han transformado nuestra visión de la realidad, llevándonos a aplicar, en nuestra forma de ver y por lo tanto a captar los signos de la realidad fenoménica. Se trata de una nueva relación entre el hombre y la realidad, que se basa en el uso masivo de imágenes que siempre han tenido y jugarán un papel especialmente significativo en las prácticas comunicativas de los individuos. Si esto sucede, es porque el lenguaje de las imágenes puede ser utilizado para representar de manera convincente el entorno cultural y social.
Con la llegada de las nuevas tecnologías, las posibilidades para que los artistas creen nuevas imágenes son infinitas. La tecnología está dando forma al arte contemporáneo a través de la introducción de nuevos medios y herramientas que amplían las posibilidades expresivas de los artistas. Estas herramientas tecnológicas no solo han abierto nuevos horizontes en cuanto a la producción y el disfrute del arte, sino que también han influido en la forma en que se distribuye, vende y comparte el arte, lo que ha llevado a una democratización del acceso al arte y a una mayor interacción entre el público y las obras de arte. De hecho, muchos artistas ya están experimentando con estas tecnologías, para transformar sus experiencias en obras de arte que puedan involucrar al público a través de la imaginación, que, entre otras cosas, no sigue reglas fijas ni vínculos lógicos; Precisamente por eso, representa ese lugar fundamental para experimentar con nuevas propuestas estéticas.
Hablando de arte o artistas, no es necesario escribir toda la historia, de hecho, es importante entender, qué parte de la historia queremos contar? Quizás por eso Orlando Acosta y Saverio Cecere hablan de sí mismos y de sus obras, en este caso, una forma de combatir el aburrimiento de ser siempre la misma persona o hacer las mismas cosas, esa suma de roles y actitudes que adquieren a lo largo de la vida y que acaba moldeando la personalidad. ¿Nunca te has cansado de ser tú mismo y has querido vivir como otra persona? Aquí es donde entran en juego estos dos artistas: "su producción artística no debe ser considerada simplemente el resultado de una tendencia "desvinculada" o "efímera" de la Abstracción Geométrica Contemporánea; el uso de la forma y el color no es una mera satisfacción de necesidades para exhibir la obra, sino que detrás de sus propuestas hay soluciones visuales, hay caminos de conocimiento que permiten que la obra escuche sus propias necesidades comunicativas".
En ambos casos nos encontramos ante obras que funcionan como un puro juego visual y excluyen la expresión de ideas o cualquier otro elemento fuera de lo estrictamente estético. Dos artistas que pertenecen a la misma generación y bagaje cultural, intentan llevar a cabo una investigación estética "ALTER-NATIVA", donde la obra se convierte en un proceso de transformación, cuyo funcionamiento no conduce a lo "diferente", sino a otra obra, que aunque conceptual y estructuralmente es la misma, es una obra diferente a sí misma, en relación a la percepción de la misma en el espacio, más allá de su espacio, el espacio que ocupa: todo lo que queda fuera del alcance de la percepción del espectador emerge en la superficie de la obra, sintetizarse en una estructura multidimensional, que se desarrolla a diferentes niveles o en varias direcciones, especialmente en el campo del conocimiento y la investigación. La obra se convierte en un sistema de coordenadas, cuyo número de incógnitas es mayor que el número de ecuaciones que admite infinitas soluciones o posiciones que la obra puede asumir en el espacio: La obra es una estructura geométrica dispuesta según un orden que implica diferentes posibilidades de variación.
Son posibles múltiples lecturas en serie: vertical, horizontal y oblicuamente, o invirtiendo la relación entre la forma y los intervalos. La composición no determina movimientos no virtuales y está sometida a tensiones, traslaciones y rotaciones. La repetición de progresiones y agregaciones no solo da lugar a variaciones, sino a cambios estructurales cualitativos, el hecho de que la estructura parezca ser la misma no debe considerarse una repetición de la misma obra, es una constante que nos permite evaluar las infinitas variaciones estructurales. Lo que transforma la cantidad en calidad es la variación y el ritmo de las combinaciones. Una obra de arte orientada a la calidad es el elemento que le permite obtener un mayor consenso y usabilidad.
Como decía Howard Newton, "La gente olvida lo rápido que has hecho un trabajo, pero recuerda perfectamente lo bien que lo has hecho", esto quiere decir que, si una obra de arte cumple con las expectativas del usuario, éste puede entrar en el "mundo del juego" convirtiéndose él mismo en un soporte reflexivo dentro de ese juego; El usuario, en este "mundo de juego" a menudo parece sentir emociones, estar involucrado y consciente de que una cosa es lo que el artista propone y otra lo que el usuario espera de la obra. Es necesario, por tanto, ir más allá del nivel perceptivo, de respuesta inmediata en términos de aceptación o rechazo, para llegar a un nivel más profundo de comprensión, sabiendo, además, que, como nos dice E. Kramer: "Artista y público viajan juntos en dos direcciones opuestas; desde la fuente primitiva del impulso creativo hasta su forma final, y de nuevo desde la contemplación de la forma hacia atrás hasta las profundidades de las emociones primitivas contradictorias". (E. Kramer, El arte como terapia, La Nuova Italia, Florencia 1977).
Para profundizar en la discusión, comencemos con dos citas de una entrevista con Marcel Duchamp que son particularmente interesantes ... y también un poco inquietante: "El artista no cuenta... Es la interacción con el público lo que hace la pintura. Sin eso, la pintura desaparecería en un desván, ninguna obra de arte existiría realmente. La obra de arte siempre se basa en dos polos: el público y el autor, y la chispa que surge de esta acción bipolar da vida a algo, como la electricidad. No hay que decir: "es un gran pensador porque produce la obra de arte". El artista no produce nada hasta que el espectador dice: "Has producido algo maravilloso. El espectador tiene la última palabra".
Structure Opus 046 (obra múltiple, 2 piezas iguales)
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