porque está desprovisto de toda utilidad.
(Saverio Cecere, Solofra-Italia, julio de 2024)
Hoy vamos a hablar de cosas supuestamente útiles o inútiles. Por lo tanto, lo mejor que se puede lograr es poder combinar los negocios con el placer: la esperanza es que puedas divertirte mientras luchas. Sé feliz haciendo el trabajo que haces, visita una exposición de arte o lee un buen libro. Espero que disfrutes de la lectura de este texto.
Así que.
El arte es completamente inútil, escribió Oscar Wilde hace más de un siglo, en el prefacio de su famoso cuento "El retrato de Dorian Gray".
No es arte, son útiles: ingeniería, informática, biología, medicina, construir un puente o estudiar y perfeccionar un medicamento. La utilidad de nuestras actividades se puede ver en el resultado: en una sociedad que tiende a reconocer un valor solo a lo que es monetizable y cuantificable en términos de "útil", es difícil poder dar el peso adecuado a lo que, en una perspectiva puramente instrumental y orientada a la eficiencia, suele considerarse "inútil", por lo tanto, el papel de las artes figurativas, Y más en general, el arte parecería no tener ninguna utilidad práctica y, por lo tanto, ser "inútil".
Todo comenzó, alrededor de 1870. Con un enfoque innovador de la pintura, el impresionismo favorece la inmediatez y la intuición visual. Sus representaciones de la realidad están menos ligadas a la fidelidad formal y más orientadas a la transmisión de sensaciones e impresiones. Con la impresión se afirmó y consolidó la idea de que el arte no debe tener otro fin que él mismo: es el concepto del arte por el arte, la búsqueda de la belleza por sí misma. Y es precisamente en este contexto que Oscar Wilde afirma: "el arte es inútil": "Podemos perdonar a un hombre por haber hecho algo útil si no lo admira. La única excusa para hacer algo inútil es admirarlo intensamente".
Renoir, El almuerzo de los remeros - Obra típicamente impresionista.
Para entender mejor de qué estamos hablando, conviene hacer una breve excursión a los principales periodos de la historia para tratar de establecer la presunta utilidad o inutilidad del arte.
Empecemos por la prehistoria. Las cuevas del hombre prehistórico son ricas en pinturas y grafitis que representan animales, pero también en escenas complejas: hombres y mujeres trabajando, o bailando y realizando ceremonias; O, de nuevo, símbolos abstractos difíciles de interpretar, y manos impresas en las paredes con tintes vegetales de varios colores. El arte prehistórico en el Paleolítico tuvo principalmente fines mágicos y propiciatorios, mientras que posteriormente en el Neolítico, el arte adquirió un valor más decorativo, desligándose del mundo religioso.
Del Neolítico a Grecia. El arte griego es un conjunto de intentos de alcanzar la perfección en todos los campos: representar a un individuo humano de extraordinaria belleza, crear un edificio armonioso construido según proporciones matemáticas, como el templo, o una estructura perfectamente insertada en el entorno natural como el teatro. A partir de hace cuarenta siglos, el pensamiento se desarrolló junto con la técnica: investigar, comprender y hacer sentar las bases de toda la cultura artística (y no solo artística) de todo el mundo occidental. En la cultura de los griegos existe una relación muy íntima entre la divinidad y el ser humano. El arte griego expresa armonía, por lo que se han impuesto cánones para lograr proporciones perfectas.
De Grecia a la Roma imperial. En los primeros siglos de la República, los romanos se concentraron en la organización del Estado. Entre los siglos III y II a.C. el contacto con el arte griego se hizo cada vez más estrecho. Entre los campos en los que se expresó en su mejor momento, es sin duda la arquitectura, interpretada en un sentido pragmático y funcional. Los romanos atribuían una función política y social a la obra de arte y la arquitectura.
A partir de la Edad Media todo cambia. Se ha dicho por algunos autores, entre ellos Joseph Ratzinger (Papa Benedicto XVI), que una buena apología de la Iglesia es la producción a lo largo de los siglos de mucha santidad y mucho arte. El primero puede ser más difícil de entender, pero el segundo está ahí para que todos lo vean; De hecho, el arte ha tenido numerosas funciones y a partir de la Edad Media y durante muchos siglos posteriores en las iglesias se utilizó para enseñar historias bíblicas a personas que muy a menudo no sabían leer.
Lamento por el Cristo muerto de Giotto, fue un artista revolucionario, fundamental para el cambio artístico que dio origen a la cultura figurativa moderna.
La Revolución Francesa. En esta época revolucionaria, el arte adquirió una función político-educativa. De hecho, tenía que servir para instruir al ciudadano, para formarlo con los nuevos valores revolucionarios y aquí, el arte fue a pescar episodios de la historia antigua para adaptarlos al nuevo contexto histórico-cultural. Un maestro en este campo fue Jacques-Louis David, quien con el juramento de los Horacios quiso transmitir las virtudes de la antigua Roma republicana a la recién nacida república francesa.
La vanguardia histórica. Este término deriva del lenguaje militar y pretende subrayar la función innovadora de estos grupos de artistas, que a menudo se reúnen en torno a un programa de intenciones expresado por un manifiesto técnico-poético. Los artistas que formaban parte de las vanguardias históricas habían decidido romper con el lenguaje y los códigos artísticos del pasado. Sus objetivos eran prefigurar el arte del futuro o decretar su fin. Las opciones básicas de los movimientos de vanguardia se remontan a esta duplicidad de intenciones: por un lado, la voluntad constructiva y planificadora; por el otro, una voluntad crítica. A través de formas expresivas, manifiestos programáticos y con una actitud provocadora, quisieron "sacudir al público".
En 2004, una encuesta realizada a 500 críticos de arte declaró a "La fuente" como la obra de arte más importante del siglo XX por cuestionar la naturaleza misma de lo que era el arte y lo que hacían los artistas en ese entonces.
Para obtener más información, haga clic en:
Futurismo https://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo
Expresionismo https://pt.wikipedia.org/wiki/Expressionismo
Dadaísmo https://es.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmo
Surrealismo https://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo
Cubismo https://es.wikipedia.org/wiki/Cubismo
Abstraccionismo https://it.wikipedia.org/wiki/Astrattismo
Supremacismo https://es.wikipedia.org/wiki/Suprematismo
Constructivismo https://es.wikipedia.org/wiki/Constructivismo_(arte)
La posvanguardia o la llamada segunda vanguardia (1945-1970), comenzó después de la Segunda Guerra Mundial. Debido a las consecuencias de un evento tan brutal, Europa entra en una crisis cultural y política que favorece el surgimiento de un nuevo panorama artístico y permite que nuevas tendencias artísticas se desplacen de Europa a América, de Francia a Estados Unidos, de París a Nueva York. que se convierte en la nueva capital del arte, el epicentro de las nuevas vanguardias. Estas segundas tendencias se sucedieron muy rápidamente gracias a los medios de comunicación, que cada vez eran más efectivos debido al alto desarrollo tecnológico, pero al mismo tiempo eran recibidos de una manera más natural y menos traumática. La experiencia de las primeras vanguardias dio cierta tranquilidad y calma al mundo del arte, que supo asimilar mucho mejor esta segunda ola. Ahora las vanguardias no nacen de artistas incomprendidos que quieren llamar la atención del público, sino que se convierten en nuevas y atractivas propuestas. Adquieren un tono más atractivo, moderno y exclusivo que favorecerá el mercado y el acercamiento del público en general.
Para obtener más información, haga clic en
https://www.elmarcoverde.com/segundas-vanguardias-1945-1970/
La época contemporánea está marcada culturalmente por la Ilustración, políticamente por la Revolución Francesa y económicamente por la Revolución Industrial. Los amantes del arte contemporáneo están fascinados y desorientados por este tipo de arte: diferentes corrientes de pensamiento, ideas diferentes y contradictorias. ¿Es el arte contemporáneo una extensión del arte moderno? O, de nuevo, ¿es una imitación de la otra? Deteniéndose en la última cuestión, hay quienes, erróneamente, todavía tienden a no diferenciar entre los dos, pero en realidad constituyen dos corrientes artísticas muy distintas, y con diferencias precisas, tan precisas que el hombre de nuestros días se siente atraído por lo que tiene una utilidad. El mundo del arte experimentó una transformación radical en su estructura y fines con la consiguiente mutación de la figura social del artista, lo que podría conducir a un compromiso cada vez menor del arte y a una mayor orientación hacia las formas de entretenimiento: este término describe la producción de obras de arte utilizadas en juegos, películas y programas de televisión.
Se habla mucho de Comedian (Comedian), una "obra de arte" de Maurizio Cattelan (Padua 1960) expuesta en la feria de arte contemporáneo Art Basel de Miami: Unos días después el plátano fue comido por David Datuna, un visitante que también era "artista", que fue filmado comiéndolo. Explicó que la suya también era una exposición artística: Artista hambriento.
Para obtener más información, haga clic en
https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_contempor%C3%A1neo
Después de la incursión en la historia del arte, ¿es razonable creer que el arte es un medio de expresión perfectamente inútil? Sí, desde cierto punto de vista, es precisamente en esta inutilidad donde reside su importancia. Preguntémonos primero qué entendemos por útil, y al hacernos esta pregunta descubriremos que nuestra idea de útil está enteramente modelada en las necesidades de una sociedad en perpetuo movimiento. Abrumados por los deberes, las responsabilidades y una retórica de valores que quiere que estemos siempre activos y comprometidos, no tenemos tiempo para detenernos a reflexionar, y a centrarnos en esa belleza que, parafraseando a Dostoievski, debería o podría salvar el mundo. No tenemos tiempo para la lentitud, la observación o incluso el aburrimiento, porque el aburrimiento nos obliga a reflexionar, y la reflexión se desalienta hasta el punto del ostracismo en este mundo que se mueve demasiado rápido. Y el arte, que es por definición silencioso, conceptual, inmóvil y por muy aburrido, es la expresión de todo esto. Una invitación a detenerse, a comprender, a sentir sin dejarse abrumar por el estruendo de la realidad. El arte, en su desarmante inutilidad, atestigua que no todo lo que necesitamos tiene un propósito, o es un medio, porque tal vez es precisamente en esto donde reside la esencia más auténtica del ser humano, lo que nos distingue de los animales: la capacidad de apreciar, amar, realzar incluso lo que no nos es directamente útil para nuestro sustento, para nuestra supervivencia. Y así acogemos el arte inútil, que nos emancipa de la esclavitud de lo necesario y nos recuerda que la expresión más auténtica de la humanidad está en el niño que se detiene, encantado, a observar una puesta de sol sin otra razón válida que su belleza desarmante, que llena el alma (Giulia Mecozzi, elapsus.it/2023/01/la-presunta-inutilita-dell'arte-e-).
escríbenos a:
saveriocecere@yahoo.it
o.acosta12@gmail.com
No hay comentarios.:
Publicar un comentario