La policía de Londres recibió una llamada en la que se informaba de una mujer inconsciente sobre un escritorio, ésta se podía ver a través de la ventana de la Galería Laz Emporium en Lexington Street en Soho. Cuando la policía rompió la ventana, se encontraron frente a Kristina, una obra hiperrealista del artista Mark Jenkins.
Las imágenes anteriores nos dan una idea clara del tema que trataremos a continuación.
Hechos y fechorías del arte contemporáneo
¿Por qué el arte contemporáneo parece incomprensible?
¿Qué espera la gente de una obra de arte?
¿Podrá la gente entender algún día el arte contemporáneo?
(Saverio Cecere, Solofra-Italia – Junio 2024)
No es fácil responder a éstas preguntas, pero plantea una serie de dudas sobre la existencia y función que puede tener la obra de arte contemporáneo, cuyo significado parece incomprensible por no decir absurdo. Obras de arte extrañas y descontextualizadas que ya no despiertan emociones. ¿Por qué sucede esto? ¿Acaso nos hemos vuelto incapaces de comprender un arte que se ha vuelto demasiado "elevado", prerrogativa de los expertos, o el arte ha perdido la capacidad de comunicar una emoción o un mensaje?
El artista contemporáneo es capaz de crear asombro, admiración, pero también repugnancia: cartones, polvos, mallas metálicas, lienzos, gasas, cintas adhesivas... La búsqueda de materiales sobre los que catalizar el mensaje creativo es hoy el orgullo del artista, que confía el testimonio personal de su tiempo a un campo de acción indefinido e indefinible. Nos encontramos ante la traslación de la "Obra de Arte" hacia el "Objeto de Arte", operación con la que el artista declara su derecho a registrar el espacio y la forma en un proceso que desvincula el arte de sí mismo y lo dispersa en distancias expresivas y sin barreras. El cine y la literatura, pero también las redes sociales y los multimedia, son los contextos más manipulados y reelaborados por esta nueva generación de artistas que, conscientes de las implicaciones negativas de las innovaciones tecnológicas y el progreso frenético, se interesan por desencadenar una reacción emocional; lo que importa no es tanto la representación estética de una obra, sino el efecto que causa (Claudia Onistio https://www.ithinkmagazine.it/artista-e-arte-contemporanea-oggi/).
La consecuencia de este mecanismo es que la atención pasa de la obra al artista, a su capacidad de reinventarse, no solo en sus creaciones, sino también en la puesta en escena de su personalidad. ¿Podría ser que este comportamiento sea una especie de transferencia donde el artista, a través de la obra de arte, "traslada" al público sus propios conflictos que, a su vez, son relaciones residuales o conflictos vividos en el pasado y resurgen en el presente?
Aquí es donde radica el drama, entre el artista y la creatividad, se rompe el hilo conductor, cada uno sigue su propio camino y siente que tiene derecho a decir y hacer lo que quiera: el arte y el artista se mueven en una dirección desigual y opuesta, creando una especie de "colisión" de valores estéticos, cuyo objetivo es transformar (consciente o inconscientemente) una de las actividades humanas más importantes en una especie de fetiche cultural. Podríamos definirlo como una especie de "Anti-arte" (fugaz, transitorio - sin dejar rastro), que desvirtúa su naturaleza y función, hasta el punto de que el arte contemporáneo es visto hoy como un "Juguete", que, al no tener sentido en sí mismo, niega emoción, valor y contenido (Fil Rouge: restos y ruinas en el arte más o menos contemporáneo (https://www.facebook.com/profile.php?id=100036185633101).
¿Por qué el arte contemporáneo parece incomprensible?
La primera pregunta que todo el mundo se hace frente a una obra de arte contemporáneo es: "¿Es esto arte?", ¿qué representa o significa? O, de manera simplista, responde: "Yo también podría haberlo hecho". Según Umberto Eco, en el "Tratado de Semiótica General", la obra de arte debe ser como un texto en un libro: legible. Sin embargo, si retrocedemos en el tiempo, vemos cómo la legibilidad de una obra nunca ha sido algo claro. Una pintura, un retablo o un políptico no quieren significar legibilidad y claridad a toda costa, al contrario, en la mayoría de los casos aún hoy nos preguntamos por sus significados.
Todo momento artístico debe ser pensado y razonado en el tiempo en el que se encuentra. Del mismo modo que hoy somos escépticos con el arte de Marina Abramovich, o con las obras kitsch y pop de Jeff Koons, antes éramos críticos con algunos lienzos o ciclos de frescos realizados por los artistas más populares. Recordemos que Miguel Ángel Buonarroti no estuvo exento de críticas bastante fuertes. Incluso Caravaggio, portador de una ola de arte revolucionario, tuvo bastantes problemas con la aceptación de algunas de sus pinturas más bellas (así como problemas con la justicia por los problemas en los que se metía casi a diario). Los ejemplos podrían seguir y seguir, pero pueden ser suficientes para hacernos entender de qué estamos hablando (Umberto Eco, "Trattato di semiotica generale", 1975).
Hacer creer a la gente con la retórica insoportable de "la belleza que salvará al mundo", es un error, en todo caso, el mundo debería salvar la belleza, este es el verdadero problema. El arte contemporáneo en todas sus manifestaciones se burla de sí mismo, el público al no entenderlo, lo considera un juguete inútil y caro expuesto a bromas, engaños y malentendidos: "Hace poco tiempo la policía de Londres recibió una llamada informando de una mujer inconsciente sobre un escritorio más allá de la ventana de la galería Laz Emporium en Lexington Street en Soho. Cuando la policía rompió la ventana, se encontraron frente a Kristina, una obra hiperrealista del artista Mark Jenkins. Y de nuevo: en el Museo Picasso de París, una anciana vio una chaqueta colgada en la pared. Lo cogió pensando que alguien lo había olvidado, se lo llevó a casa e incluso le hizo un dobladillo porque era demasiado largo. Se trataba de una obra del artista Oriol Vilanova, que invitaba al público a interactuar llevándose una de las postales colocadas en sus bolsillos. Digamos que más que un robo fue un exceso de interacción. Si en estos casos hubo algún daño, hace diez años el Eron de Rímini se regocijó cuando un albañil enyesó su dibujo de un agujero en la pared, demostrando lo bien que estaba hecho. El dúo de artistas Goldschmied & Chiari, por su parte, se partió en dos después de que una mañana un limpiador del Museion de Bolzano (Italia) tirara a la basura una instalación de ellos hecha con botellas vacías: a uno le gustó mucho, el otro se enfadó mucho (pero solo al principio y no diremos quién reaccionó cómo). Ese trabajo fue, de hecho, es, porque luego se rehizo e incluso se volvió a proponer varias veces.
Esta gran lección para el mundo del arte, por desgracia, no ha servido de mucho: muchos, todavía demasiados, fingen maestría incluso cuando no tienen ni idea de lo que están hablando. ¿La moraleja? No hay ninguno. El arte nunca tiene moral y no le importa si el espectador conoce el nombre del autor o no. Hay espacio para todos, incluso para los que no existen" https://www.ilpost.it/2024/04/21/ballario-sedia-con-corpo-adagiato-e-altri-scherzi/
Explicar de dónde viene este malentendido es menos fácil de lo que parece. Para ello, es necesario preguntarse cuál es el horizonte de la expectativa de las personas respecto a las obras de arte.
¿Qué espera la gente de una obra de arte?
Los estereotipos no son estáticos y evolucionan de una época a otra. Según los cánones estéticos preestablecidos, una obra de arte es un objeto circunscrito, de forma rectangular o cuadrada, que después de ser colocado dentro de un marco se cuelga en la pared; Su contenido debe reproducir algo igualmente comprensible en función del grado de verosimilitud con lo que se reproduce. Si la obra se juzga satisfactoria, se expresa un juicio de valor: bello - feo, gustado - disgustado. A veces se acentúa el reconocimiento de la belleza y entonces la gente se emociona. Pero el arte no es emoción o, mejor dicho, excitar no es su función primaria y principal. El arte es ante todo pensamiento, la emoción también puede llegar, pero no necesariamente. Para ser considerada una obra de arte, debe contener pensamiento. El mayor malentendido y el error de juicio más trivial que se puede cometer frente a una obra de arte es confundir el valor y el contenido de una obra con la emoción que provoca en ti.
¿Podrá la gente entender algún día el arte contemporáneo?
En nuestra sociedad llena de contradicciones, cada vez es más difícil encontrar consuelo. En este sentido, el arte puede venir a nuestro rescate. Es por ello que se multiplican las exposiciones de los grandes maestros del pasado que, habiendo demostrado su valía y superando el paso del tiempo, son el refugio seguro para entender la obra de arte. Cuando nos sumergimos en las obras de los grandes maestros (desde la Edad Media hasta las vanguardias históricas del 900, ya tenemos una idea bastante precisa de lo que vamos a ver, (es decir, nuestro horizonte de expectativas), a partir de esta consideración, las obras de arte contemporáneo que no se parecen a las de Giotto, Cézanne, Manet o Van Doesburg, nunca podríamos admitir que es arte, ya que nos inclinamos a creer que el arte es sólo lo que estamos acostumbrados a reconocer como tal. ¿Por lo tanto? Así que hay que tener paciencia y esperar a que la obra hiperrealista Kristina del artista Mark Jenkins, las botellas de plástico (Goldschmied & Chiari) y toda esa especie de "Anti-arte" se olviden para cambiar de rumbo.
Entonces, ¿cómo podemos cambiar el rumbo? Es necesario reeducar nuestra mente, dejando de lado nuestras creencias demasiado rígidas. Para tener éxito es fundamental que la creatividad tenga la capacidad de cambiarse a sí misma, del entorno en el que se produce, y de superar las dificultades resolviendo los pequeños y grandes problemas a los que se tiene que enfrentar cada día. Un recurso prácticamente infinito del que siempre debemos sentirnos responsables. El artista debe crear y no personificar el arte, retomar el tema de la ética y la responsabilidad, si no quiere aceptarlo, tendrá que renunciar a cualquier aspiración. Sin ética y responsabilidad, el arte queda reducido a un juego para adultos, a un objeto de uso o decoración. El arte debe partir del "principio de las cosas", representado por esa sustancia primordial de la que derivarían todas las cosas que dominan el universo, de la que todo viene y todo volverá. El arte requiere inteligencia, innovación, invención, lo busca, lo quiere, de lo contrario ni siquiera sería arte, sino otra cosa.
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