El poder persuasivo de la imagen

(Saverio Cecere Solofra, Italia, junio de 2024). 

René Magritte - El misterio detrás de la manzana

"La mente piensa en imágenes, es bien sabido. Una buena ilustración vale más que mil palabras. Pero una imagen clara construida en la mente del lector a través de tus palabras vale más que mil dibujos, porque el lector colorea esa imagen con su propia imaginación, que es más poderosa que todos los pinceles de todos los artistas del mundo" 
Robert Collier.

Marc CHAGALL - Adán y Eva y el fruto prohibido, litografía de 1960.  

La vida de esta pareja era perfecta porque estaban de acuerdo con Dios. 

Vivían en el paraíso terrenal, donde no les faltaba nada 

y estaban inmersos en el amor y la armonía.
Será la serpiente quien romperá el equilibrio 

entre Adán y Eva y con el mundo que lo rodea.

Si es cierto que desde los albores de la civilización, las personas han sentido un profundo deseo de comunicarse y de hacer saber a los demás lo que pasaba por sus cabezas, entonces la de la publicidad es quizás la profesión más antigua del mundo. "Probablemente el primer anunciante fue el diablo, vestido de serpiente convenció a Adán y Eva para que le dieran un mordisco a una manzana. ¿El costo? Ya sabes, lo hemos perdido todo. Pero la serpiente era buena para convencer, ¿no? La publicidad tiene orígenes muy antiguos y está ligada a un elemento decisivo: la escritura. Tan pronto como existió la posibilidad de explotar símbolos sobre una superficie (papel, lienzo, piedra, etc.) hablamos de publicidad en sentido estricto. Hay hallazgos arqueológicos que hablan de vallas publicitarias en la antigua Pompeya para destacar eventos deportivos o mejorar la calidad de tiendas y negocios. En la Edad Media, la figura del subastador era famosa 
(fuente: Riccardo Esposito Publicado My social WEB, 2022).

Símbolo fálico en la calle para indicar el prostibulo o burdeles 
de Pompeya, Nápoles, Italia

Si queremos utilizar un símil con los medios de comunicación actuales, el subastador puede compararse con un noticiero moderno, intercalado con anuncios, un orador, un portavoz, un locutor de televisión o incluso un presentador. En la Edad Media, no existía ningún medio de información, el subastador era el único "medio de comunicación de masas" capaz de llevar a cabo una función informativa. 

A partir de la década de 1700, con el aumento de la producción industrial de bienes de consumo, comenzó el proceso comúnmente llamado "consumo masivo", los industriales comenzaron a envolver sus productos en papel impreso: este es el nacimiento del diseño de logotipos y empaques. Los envoltorios del producto tenían que ser agradables a la vista, poniendo a la vista la marca del fabricante, así fue como las "impresiones publicitarias" comenzaron a convertirse en una moda cada vez más extendida. 

En las capitales europeas y norteamericanas, los artistas y diseñadores comenzaron a dar rienda suelta a su creatividad. Muchos carteles fueron realizados por artistas conocidos, como el anuncio del hotel de día "Chat noir" en Toulouse-Lautrec; el futurismo, que estaba especialmente cerca del mundo de la publicidad; hasta el Pop Art, que fue un movimiento artístico fuertemente influenciado por la publicidad, el consumismo y la cultura de masas. Quizás el ejemplo más conocido son las latas de sopa Campbell's de Andy Warhol. Analizar el papel de la publicidad en la historia del arte requiere un razonamiento complejo con la consiguiente elección de contenidos a tener en cuenta. Si el término Arte nos remite a la categoría abstracta de la creatividad, la Publicidad está inevitablemente ligada al marketing. A pesar de la aparente antítesis de dos conceptos que parecen pertenecer a campos semánticos diferentes, el matrimonio entre Publicidad y Arte se ha producido y parece destinado a no disolverse.

Chat noir" - by Henri de Toulouse-Lautrec

Refresco Campari amargo, pintado por Depero, 

cartel publicitario creado para la empresa italiana

Andy Warhol - Serigrafía a color de la sopa Campbells, 1968.

El autor del cartel publicitario es el pintor Jules Chéret que entendió la importancia de la imagen, y su capacidad para llamar la atención más que las palabras. También merece el "crédito" de haber introducido la representación de las mujeres en los carteles publicitarios. El progreso tecnológico también juega a su favor, ya que la litografía representa un salto cualitativo y cuantitativo en la producción de carteles. Por un lado, permite imprimir en varios colores de forma más sencilla y a un coste menor que la tipografía, y la evolución de los moldes (primero en piedra caliza y luego en zinc) permite plasmar la línea del artista. 
(fonte: laimprentacg.com/jules-cheret-el-creador-del-cartel-moderno/) sin pérdidas. 

Jules Chéret - Cartel litográfico para las exposiciones del Folies, 1888

Uno de los manifiestos más conocidos de Chéret, 
en el que brilla una sensualidad revolucionaria para la época.

Etiqueta de producto Rimmel de Jules Chéret

La publicidad tiene el efecto de transferir valores, a través de conexiones comunicativas, entre lo que una cultura concibe como un estado deseable del ser, y lo que ofrecen los productos y servicios. La comunicación comercial tiende, por tanto, a reproducir el orden normativo presente en una cultura respondiendo a él y reflejando lentamente los cambios en la sociedad. Se puede deducir que de la comunicación comercial masiva no se esperan cambios drásticos en los valores, esto se debe a que los comunicadores tienen que elaborar estados de ánimo deseables o aceptables de gran parte de la población 
[fuente: tesionline.it/tesi/brano/consumismo-e-pubblicità].

Ventajas y desventajas de la publicidad.

Las actitudes y juicios expresados, a lo largo de los años, por el público hacia la publicidad nunca han sido neutros, sino siempre dictados por un sentimiento de amor/odio, legitimación/desaprobación, etc. En general, podemos encontrar dos grandes categorías de opiniones sobre el fenómeno publicitario: las opiniones en su defensa (expresadas sobre todo por el mundo empresarial, por los profesionales que realizan las campañas y por el mundo de los medios de comunicación que difunden sus mensajes) y las opiniones desfavorables (expresadas por preocupaciones pedagógicas, culturales, ideológicas y sociales).

Beneficios de la publicidad:

Tiene una función informativa. Es una herramienta que permite al consumidor conocer los productos que existen en el mercado. Se muestra como una ventana a los productos, ofreciendo una amplia gama de propuestas que permite comparar, evaluar y luego elegir.

Cumple una función lúdica ya que entretiene al espectador, le hace escapar de la realidad gris de la vida cotidiana para adentrarse en un mundo de fantasía, le hace divertirse y relajarse. Además, no requiere mucho tiempo, esfuerzo o concentración y es apto para todo el mundo y utilizable por todo el mundo. La publicidad es divertida no sólo porque te hace reír o sonreír, sino también porque logra "proporcionar momentos de escapismo y procesos de identificación que se consideran gratificantes" (Fabris 1997, 536).

Tiene una función educativa de estética y gusto. Para ser "atractiva" utiliza a menudo las mismas técnicas que las principales formas artísticas y expresivas, hasta el punto de que se la considera una verdadera forma de arte. Además, educa para cuidarse a uno mismo y al entorno que nos rodea.

Desempeña una importante función educativa y formativa, ya que enseña, explica y demuestra. Es "un campo de entrenamiento para experimentar con lenguajes e imágenes, enriquece el vocabulario" (Fabris 1997, 534), especialmente para los estratos menos educados de la población. En su conjunto, la publicidad hoy en día se caracteriza por la propuesta sistemática de estilos de vida y pensamientos, hábitos, diversos modelos de comportamiento y lenguaje, que representan lo que es correcto y "normal" en una sociedad determinada, en un momento histórico determinado. De ahí su poder pedagógico (tanto positivo como negativo) que, inevitablemente, le confiere una importante responsabilidad social, especialmente hacia los jóvenes, ya que suele presentarse de forma lúdica que esconde los posibles lados negativos.

Desventajas de la publicidad:

Algunas de sus características estructurales como su repetitividad (que por un lado asegura la penetración de los mensajes, pero por otro lado provoca redundancia y por tanto aburre y molesta al público que tiende a rechazarlo); y su carácter intrusivo (por el que el espectador está expuesto, incluso contra su voluntad, a mensajes publicitarios, que llegan a ser incluso irritantes).

Propone modelos para inspirarse que, a veces, están demasiado "alejados" de la realidad. Vende sueños seduciendo a la gente y ofreciéndoles mundos completamente irreales. Se considera una verdadera "fábrica de sueños" porque falsifica la realidad y la sustituye por modelos ficticios, creando un continuo en el que se mezclan realidad y ficción. La publicidad televisiva, en particular, ha asumido cada vez más el papel de refugio para aquellos desesperados por escapar, seguridad y consuelo. Es como una ilusión, un espejismo en el desierto, un paraíso artificial y es quizás la única comunicación que solo puede darnos buenas noticias, presentando solo el lado positivo del mundo. Su tono es el de la comedia o la opereta, nunca el del drama. En definitiva, la publicidad quiere crear un clima favorable para la aceptación de sus propuestas representando un mundo fácil, muchas veces con efectos nocivos para sus espectadores.

Es, en parte, responsable del consumismo. Le da demasiado valor a las cosas haciéndolas parecer más bellas e importantes de lo que realmente son y haciéndolas amar desproporcionadamente. Incluso parece sugerir que, después de todo, los objetos de consumo son los únicos que vale la pena cuidar y realmente necesitan. De esta manera, hace necesidades que no son realmente indispensables, lo que lleva a compras innecesarias. Como dice Fabris (1997, 64), "la diferencia entre necesidades primarias y secundarias, entre consumo necesario y discrecional, se ha vuelto cada vez menos clara".

Es una herramienta muy poderosa de persuasión y manipulación. Es palpitante, petulante, se te mete en el cerebro y no te hace capaz de decidir por ti mismo. Para lograr su objetivo, utiliza y abusa, sin escrúpulos, de ningún medio: la ternura que despierta un animal o un niño, el desnudo femenino, hasta la bonita "forma de hablar" de los jóvenes.

Por lo tanto, la publicidad tiene aspectos positivos y negativos; Se puede amar y criticar. La crítica a la publicidad se refiere principalmente a sus efectos, que van más allá de los límites de la economía e invaden la vida social y política. Los mensajes publicitarios interactúan con otro tipo de mensajes (políticos, religiosos, morales, civiles, etc.), generando consecuencias que van más allá del ámbito económico. Dado que se difunde principalmente por los medios de comunicación de masas, sus efectos afectan a un público muy diverso.

Por lo tanto, es necesario que los destinatarios de los mensajes publicitarios desarrollen una madurez crítica que les permita defenderse de posibles efectos negativos. En particular, se debe enseñar a los jóvenes a analizar críticamente el mensaje publicitario, a conocer los mecanismos de este mensaje, a "identificar las trampas, incluidas las semánticas, que se colocan" (Baldini 1996, 15-16). 

Es cierto que la publicidad es una forma de comunicación "sesgada" y que tiende a engañar, pero es más difícil que tenga éxito si el consumidor está suficientemente preparado y es astuto, o al menos consciente de la parcialidad básica de la publicidad. A lo largo de los años, las actitudes de los consumidores hacia la publicidad han evolucionado y se han vuelto más favorables. Hoy en día, el consumidor es menos cauteloso. Está persuadido, pero no pasivamente. Sabe que la publicidad tiene su propio propósito preciso (que es empujarlo a comprar ese producto en particular) y que puede ser útil y agradable, pero también arrogante  y desagradable; de buena y mala calidad. En otras palabras, él está, por así decirlo, "conscientemente persuadido" 
(tomado de web.tiscalinet.it/a_fianda/it/lgp/). 

Entre ventajas y desventajas, la publicidad ha sido y seguirá siendo el principal motor de la comunicación de masas. Hoy, gracias a la invención de las radios, los televisores y los ordenadores, aquel primer anunciante vestido de serpiente sigue siendo uno de los elementos más presentes en nuestras vidas. En el último siglo hemos asistido al nacimiento de la publicidad contemporánea, es decir, el mensaje de pago que envía la industria con el objetivo de informar o influir en las personas que la reciben sobre un producto o servicio. En el mundo actual, la publicidad utiliza todos los medios de comunicación posibles para transmitir su mensaje, pero de esto hablaremos en próximos posts.

El nuevo logotipo de "We ♥ NYC" es un cambio que de alguna manera refuerza la unidad de los neoyorquinos, pero el nuevo símbolo no ha sido bien recibido por todos.

             "La publicidad no es una ciencia. Es persuasión. Y la persuasión es un arte". Bill Bernbach

¿Quién es quién?

...en un glosario de términos y conceptos trataré de precisar algunos de los actores que intervienen en los procesos creativos e intelectuales.

Hola, soy Orlando Acosta, vivo en Naples, Florida USA.

Imágen gráfica: Orlando Acosta

En la actualidad las comunicaciones tecnológicas nos permiten, a través de internet, acceder rápidamente al conocimiento, despejar las dudas y crear una visión más clara sobre quiénes y cómo actúan algunos elementos en el proceso creativo, así que seleccionando la información con un poco de sensatez podemos reforzar nuestro criterio.

¿Diferencia entre la Mente y el Cerebro?

"El cerebro es un órgano que se puede examinar, en cambio la mente no se puede ver ni tocar. Son las neuronas que están en nuestro cerebro las que nos ayudan a elaborar juicios, a razonar, y dar forma a nuestros sentimientos para comprender la realidad."

Ahora bien, me enfoque en la "mente" y pude encontrar la siguiente información sobre los tipos de mentes que existen:

La mente líquida. Para hablar sobre el concepto de “mente líquida” o “sociedad líquida” voy a mencionar una síntesis de las teorías del humanista Zygmunt Bauman: "Bauman sostiene que la "sociedad líquida" implica un proceso de individualización, que consiste en la liberación del individuo de las ataduras colectivas y la asunción de una mayor responsabilidad sobre su propia vida. Sin embargo, esta libertad también conlleva una mayor inseguridad, soledad y riesgo."

La mente rígida. Es probable que conozcas a alguien con este tipo de pensamiento.
"La mente rígida es aquella que se resiste a cambiar cualquiera de sus comportamientos, creencias u opiniones aunque la evidencia y los hechos les demuestre que es una autentica equivocación. Las personas con mente rígida piensan que siempre tienen la razón y lo que es peor que los demás están equivocados.

La mente flexible. "El pensamiento flexible es la capacidad de pensar en las cosas de una manera nueva o diferente. Nos ayuda a afrontar la incertidumbre, a resolver problemas, a ajustarnos a los cambios y a incorporar nueva información a nuestros planes e ideas.

Imágen gráfica: Orlando Acosta

¿Diferencia entre Idea y Pensamiento?

Tener pensamientos es actividad mental que continúa sin cesar, la mente tiene un promedio de 42 pensamientos por minuto, y la mayoría del tiempo las personas no saben en qué están pensando.

Por otra parte la idea es el producto o representación mental del pensamiento; surge a partir del razonamiento o de la imaginación de una persona, detrás de ella existe una intención que provocó su existencia. Esa idea es la base de nuestro conocimiento; pues de las ideas hacen más ideas: más complejas y bellas, pero se necesita lo básico para empezar. 

 

¿Qué es pensamiento y la idea escrita?

El pensamiento crea y determina al lenguaje; a su vez, el lenguaje enriquece y revoluciona al pensamiento. De tal forma, ambos mantienen una relación mutua, interdependiente y dinámica. La escritura activa posibilita el desarrollo del pensamiento en funciones como la percepción, la atención y la memoria.

Para poder identificar las ideas relevantes, es importante que tengas en mente el tema que estás investigando y el tipo de texto que estás leyendo. Asimismo, deberás poner en práctica diversas técnicas de lectura, incluyendo la lectura de exploración.

Diferencia entre lengua e idioma

En muchos contextos, no hay diferencia entre lengua e idioma, ya que los dos términos pueden ser utilizados para hacer referencia a un código lingüístico que utilizan las personas para comunicarse. Por ejemplo: lengua inglesa o idioma inglés, lengua o idioma español. 

Sin embargo, en otros contextos estos términos son utilizados para hacer referencia a cosas distintas. La lengua es un sistema compuesto por signos que utilizan los hablantes para comunicarse. En cambio, el idioma es una variedad de la lengua que se utiliza en un lugar específico, es decir, que es la lengua propia de un país, región, nación o pueblo.

Imagen del Imagotipo de la empresa Mente Creativa's Works Inc: Orlando Acosta / Kristen Acosta

¿Qué diferencia hay entre crear y creatividad?

La creatividad es como sembrar semillas. La creación es como cultivar el jardín.

En realidad la creatividad es un recurso que no se agota; las ideas no se acaban, ni se desechan, sino que se pueden ir afinando para desarrollar mejores productos o servicios.

¿Cuál es la diferencia entre imaginación y creatividad?

La imaginación es nuestra capacidad de producir imágenes mentales, ideas, pensamientos e incluso sentimientos que no existen en la realidad y que no están disponibles a nuestros sentidos. 

La creatividad es el proceso de transformar la imaginación en realidad.

¿De qué parte del cerebro vienen las ideas?

Los estudios realizados proporcionan evidencia clara de que el hipocampo, como parte del subsistema del lóbulo temporal medial, apoya la generación de ideas creativas: una prueba más de que la misma región del cerebro que respalda nuestra capacidad de recordar también respalda nuestra capacidad de imaginar y crear.

...y así sucesivamente se puede seguir hurgando en la web para incrementar nuestro conocimiento. Hace un poco más de 20 años jugaba con mi hija con un diccionario, buscábamos una palabra y tratábamos de describir su significado, luego la verificábamos en el diccionario si esta correcto el significado. Una idea práctica es hacer algo similar con niños y jóvenes, sustituyendo el diccionario por la web, bien sea desde el móvil o la computadora.

...recuerda mantener tu mente flexible

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Por favor deja tus comentarios y si estas interesado en proporcionar algún texto o idea a respecto, haznoslo saber que con gusto te atenderemos.

comunicate con:

Saverio Cecere / saveriocecere@yahoo.it

Orlando Acosta / o.acosta12@gmail.com

ALTER-NATIVA

La visión más allá de la imagen.

Saverio Cecere, Solofra, Italia
Orlando Acosta, Naples, FL USA

Theo van Doesburg / Counter-Composition XIII (Contra-Compositie XIII)

¿Cómo nace una obra de arte? ¿De qué meandros profundos de la mente del artista se originan las imágenes que vemos? Intenta imaginar lo que habrían logrado los padres del constructivismo o del neoplasticismo con las nuevas tecnologías y materiales que los artistas contemporáneos tienen a su disposición. Solo podemos imaginarlo, lo que sí sabemos es que después de más de cien años, podemos ver que las vanguardias históricas del siglo XX han transformado nuestra visión de la realidad, llevándonos a aplicar, en nuestra forma de ver y por lo tanto a captar los signos de la realidad fenoménica. Se trata de una nueva relación entre el hombre y la realidad, que se basa en el uso masivo de imágenes que siempre han tenido y jugarán un papel especialmente significativo en las prácticas comunicativas de los individuos. Si esto sucede, es porque el lenguaje de las imágenes puede ser utilizado para representar de manera convincente el entorno cultural y social.

Con la llegada de las nuevas tecnologías, las posibilidades para que los artistas creen nuevas imágenes son infinitas. La tecnología está dando forma al arte contemporáneo a través de la introducción de nuevos medios y herramientas que amplían las posibilidades expresivas de los artistas. Estas herramientas tecnológicas no solo han abierto nuevos horizontes en cuanto a la producción y el disfrute del arte, sino que también han influido en la forma en que se distribuye, vende y comparte el arte, lo que ha llevado a una democratización del acceso al arte y a una mayor interacción entre el público y las obras de arte. De hecho, muchos artistas ya están experimentando con estas tecnologías, para transformar sus experiencias en obras de arte que puedan involucrar al público a través de la imaginación, que, entre otras cosas, no sigue reglas fijas ni vínculos lógicos; Precisamente por eso, representa ese lugar fundamental para experimentar con nuevas propuestas estéticas.

Hablando de arte o artistas, no es necesario escribir toda la historia, de hecho, es importante entender, qué parte de la historia queremos contar? Quizás por eso Orlando Acosta y Saverio Cecere hablan de sí mismos y de sus obras, en este caso, una forma de combatir el aburrimiento de ser siempre la misma persona o hacer las mismas cosas, esa suma de roles y actitudes que adquieren a lo largo de la vida y que acaba moldeando la personalidad. ¿Nunca te has cansado de ser tú mismo y has querido vivir como otra persona? Aquí es donde entran en juego estos dos artistas: "su producción artística no debe ser considerada simplemente el resultado de una tendencia "desvinculada" o "efímera" de la Abstracción Geométrica Contemporánea; el uso de la forma y el color no es una mera satisfacción de necesidades para exhibir la obra, sino que detrás de sus propuestas hay soluciones visuales, hay caminos de conocimiento que permiten que la obra escuche sus propias necesidades comunicativas". 

En ambos casos nos encontramos ante obras que funcionan como un puro juego visual y excluyen la expresión de ideas o cualquier otro elemento fuera de lo estrictamente estético. Dos artistas que pertenecen a la misma generación y bagaje cultural, intentan llevar a cabo una investigación estética "ALTER-NATIVA", donde la obra se convierte en un proceso de transformación, cuyo funcionamiento no conduce a lo "diferente", sino a otra obra, que aunque conceptual y estructuralmente es la misma, es una obra diferente a sí misma, en relación a la percepción de la misma en el espacio, más allá de su espacio, el espacio que ocupa: todo lo que queda fuera del alcance de la percepción del espectador emerge en la superficie de la obra, sintetizarse en una estructura multidimensional, que se desarrolla a diferentes niveles o en varias direcciones, especialmente en el campo del conocimiento y la investigación. La obra se convierte en un sistema de coordenadas, cuyo número de incógnitas es mayor que el número de ecuaciones que admite infinitas soluciones o posiciones que la obra puede asumir en el espacio: La obra es una estructura geométrica dispuesta según un orden que implica diferentes posibilidades de variación. 

Son posibles múltiples lecturas en serie: vertical, horizontal y oblicuamente, o invirtiendo la relación entre la forma y los intervalos. La composición no determina movimientos no virtuales y está sometida a tensiones, traslaciones y rotaciones. La repetición de progresiones y agregaciones no solo da lugar a variaciones, sino a cambios estructurales cualitativos, el hecho de que la estructura parezca ser la misma no debe considerarse una repetición de la misma obra, es una constante que nos permite evaluar las infinitas variaciones estructurales. Lo que transforma la cantidad en calidad es la variación y el ritmo de las combinaciones. Una obra de arte orientada a la calidad es el elemento que le permite obtener un mayor consenso y usabilidad. 

Como decía Howard Newton, "La gente olvida lo rápido que has hecho un trabajo, pero recuerda perfectamente lo bien que lo has hecho", esto quiere decir que, si una obra de arte cumple con las expectativas del usuario, éste puede entrar en el "mundo del juego" convirtiéndose él mismo en un soporte reflexivo dentro de ese juego; El usuario, en este "mundo de juego" a menudo parece sentir emociones, estar involucrado y consciente de que una cosa es lo que el artista propone y otra lo que el usuario espera de la obra. Es necesario, por tanto, ir más allá del nivel perceptivo, de respuesta inmediata en términos de aceptación o rechazo, para llegar a un nivel más profundo de comprensión, sabiendo, además, que, como nos dice E. Kramer: "Artista y público viajan juntos en dos direcciones opuestas; desde la fuente primitiva del impulso creativo hasta su forma final, y de nuevo desde la contemplación de la forma hacia atrás hasta las profundidades de las emociones primitivas contradictorias". (E. Kramer, El arte como terapia, La Nuova Italia, Florencia 1977).

Para profundizar en la discusión, comencemos con dos citas de una entrevista con Marcel Duchamp que son particularmente interesantes ... y también un poco inquietante: "El artista no cuenta... Es la interacción con el público lo que hace la pintura. Sin eso, la pintura desaparecería en un desván, ninguna obra de arte existiría realmente. La obra de arte siempre se basa en dos polos: el público y el autor, y la chispa que surge de esta acción bipolar da vida a algo, como la electricidad. No hay que decir: "es un gran pensador porque produce la obra de arte". El artista no produce nada hasta que el espectador dice: "Has producido algo maravilloso. El espectador tiene la última palabra".

Imágenes Orlando Acosta

        

Structure Opus 046 (Posición Original)

Structure Opus 046 (Posición rotada hacia la izquierda)

Structure Opus 046 (Posición rotada hacia la derecha)

Structure Opus 046 (obra múltiple, 2 piezas iguales)

Structure Opus 046 (obra múltiple, 3 piezas iguales)

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Imágenes Saverio Cecere

Políptico Nº 4/2000 - estructura tridimensional formada por varios elementos (módulos) 

de plexiglás unidos entre sí, en negro y azul - Tamaño: 350 X 150 cm.

Políptico Nº 4/2000 - estructura tridimensional formada por varios elementos (módulos) 

en plexiglás unidos entre sí, en negro y rojo - Tamaño: 350 X 150 cm.

Estructura tridimensional en plexiglás cortado con láser Nº. 34/2019

Horizontal blanco / Tamaño: 60X60 cm

Estructura tridimensional en plexiglás cortado con láser Nº 34/2019

vertical blanco /60X60 cm

Políptico Nº 8/ 2020 - estructura tridimensional compuesta por varios elementos (módulos) en plexiglás

unidos entre sí, en negro y rojo óxido - Tamaño: 400 X 120 cm.

Políptico Nº 4/2020 - estructura tridimensional formada por varios elementos (módulos) en plexiglás cortado con láser - unidos entre sí, amarillo y negro - Tamaño: 400 X 120 cm.

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"Algo que se puede enseñar, pero que primero quiere ser mostrado. Porque enseñando aprendemos, citando a Schopenhauer. Y no podemos enseñar nada, citando a Sócrates: solo podemos hacer que la gente piense y reflexione sobre lo que hemos hecho y seguimos haciendo".

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Después de leer y mirar las imágenes de las obras, les dejo la última palabra. Si quieres colaborar, cuéntanos iniciativas interesantes o simplemente contacta con nosotros.

saveriocecere@yahoo.it

o.acosta12@gmail.com

Profundizando - ilustración:

arte nacido del arte

(S. Cecere Solofra, Italia - junio de 2024).

Hoy vamos a seguir hablando de ilustración. Conscientes del gran valor de las ideas y desde posiciones propias o diferentes a las de los demás, te ofrecemos un texto prestado de Giusy Fleres (que lleva años ocupándose del Marketing Digital (artenativamente.it/chi-sono/), con el fin de profundizar en las dinámicas de comunicación visual de las que forma parte la ilustración.

Logotipo de FedEx e Ilustración del libro 'La ovejita que vino a cenar', de Joelle Dreidemy.

Ilustrar es la capacidad de narrar, mostrar y explicar a través de imágenes y dibujos. La ilustración está más relacionada con el ámbito artístico, mientras que los gráficos están orientados a resolver problemas visuales y se utilizan más en sectores comerciales. Aunque últimamente las empresas empiezan a demandar imágenes emocionales y empáticas y la diferencia entre gráfica e ilustración es cada vez más fina y difícil de separar. La edición es la reina de la ilustración, el marketing empieza a dar sus primeros pasos hacia una comunicación más empática y personalizada. Los libros infantiles son un claro ejemplo de cómo las ilustraciones pueden aumentar la fantasía, estimular la imaginación, facilitar la comprensión e interpretación de una historia. El arte visual no solo involucra el mundo editorial dedicado a los niños, también está en el centro del mundo adulto ya que logra hacer que todo sea más interesante y, al igual que la música, toca la fibra sensible de las emociones.

En el marketing digital, especialmente en las redes sociales, la ilustración está empezando a dar sus primeros pasos y juega un papel esencial para las empresas que quieren hacerse reconocibles y destacar. Las palabras clave de comunicación para una marca son: Singularidad, Estilo visual, Ser reconocible de un vistazo. Una marca capaz de crear su propia línea visual también puede ser realizada por un diseñador gráfico, pero crear un estilo con imágenes ad hoc es sin duda un engranaje extra, a través de los diversos elementos visuales que comienzas a contar una historia.

Utilizar buenas ilustraciones es un buen punto de partida, el color, la tipografía y el diseño deben ser siempre los mismos y deben ir necesariamente acompañados de un buen texto. De esta manera, la escritura y la imagen se mezclan y se convierten en una combinación ganadora. Las imágenes causan un primer impacto ya que se memorizan más rápido de lo que se lee, captan la atención de un usuario distraído alimentando su curiosidad, empujan al cliente potencial a leer, a informarse y eventualmente a hacer clic. Los colores facilitan el proceso de toma de decisiones del cliente para llevarlo a realizar una acción, los íconos en el sitio acompañan los pasos que sirven para concluir la acción tomada: comprar un producto/servicio o generar Leads, de acuerdo con los objetivos preestablecidos a alcanzar. En general, los diseñadores gráficos tienden a no exponerse demasiado y a mantener cierto anonimato en los gráficos porque su papel es comunicar las ideas de otras personas y no los sentimientos y emociones. Los ilustradores, por su parte, aportan su estilo, su capacidad estética y artística al campo y hacen que los proyectos sean personales, únicos, con alma y una historia.

Pintura rupestre de Las Cuevas de Altamira / Dibujo de Alberto Durero (1502)

La historia de la comunicación. 

Desde la prehistoria hasta la Edad Media, la ilustración es un arte milenario, ya en la prehistoria encontramos sus primeras expresiones. Las pinturas rupestres y grabados encontrados por los arqueólogos en las paredes de las cuevas representaban animales salvajes y huellas humanas con la intención de narrar los momentos de caza. En el antiguo Egipto, el papiro y las paredes piramidales eran verdaderas obras de arte. Los egipcios usaban un tipo de escritura ideográfica y en lugar de letras usaban símbolos. En la época romana, la gente comenzó a dibujar en pergaminos, pero se abrieron nuevos horizontes con la invención del códice (libro encuadernado) y el uso de la técnica de la miniatura con la que se decoraban los libros antiguos. El nombre miniatura deriva del latín minimum que indica un mineral del que se obtenía el color rojo (óxido mezclado con plomo) para colorear las letras iniciales de los capítulos. Con el cristianismo hubo una considerable difusión de la técnica ilustrada realizada con témperas de colores y pan de oro. En los textos sagrados, las miniaturas, sólo desde las letras iniciales, se extendían hasta los bordes de la página. Los precios de los manuscritos eran muy elevados, hasta la introducción del papel que llegaba a Europa desde China.

 

La invención de la imprenta.

Entre 1448 y 1454 Johann Gutenberg inventó la imprenta de tipos móviles e imprimió el primer libro, LA BIBLIA DE 42 líneas, en Maguncia. ¡Un paso trascendental! La nueva técnica se extendió rápidamente por toda Europa.

A partir de entonces, el libro dejó de ser un objeto raro, el mercado del libro se expandió rápidamente y comenzó a hacer uso de los grabados en cobre. Entre los siglos XVII y XVIII se generalizaron los primeros periódicos y gacetas. 

Ilustración de Maurice Sendak

El nacimiento de la ilustración moderna.

Fue en el siglo XIX cuando se desarrolló el concepto moderno de ilustración. En la primera mitad del siglo, de hecho, nació la litografía y las revistas y periódicos se llenaron de dibujos y caricaturas, y nacieron las primeras revistas ilustradas! Hacia finales del siglo XIX y principios del XX, el uso de la ilustración se expandió de los productos infantiles a las publicaciones periódicas, a las portadas de libros y a los carteles. He d'Illustration y Significados Ocultos.

Henri de Toulouse-Lautrec

Legados de la historia del arte.

Detalles que parecen insignificantes, como la representación de los personajes de frente o de perfil, esconden significados profundos. La representación de un personaje de frente o de perfil representa dos códigos muy concretos en la historia del arte, ambos tienen un fuerte significado narrativo bien establecido que se ha estratificado a lo largo de los siglos en la cultura de quienes miran las imágenes y tratan de interpretarlas. Las "tres cuartas partes" del personaje, en cambio, son una posición intermedia menos codificada que indica una dimensión psicológica más íntima y recogida. Los antiguos egipcios dibujaban sus representaciones de perfil para dar movimiento al cuerpo, incluso en el arte asirio-babilónico y en el arte de los antiguos griegos las imágenes seguían teniendo las mismas características de perfil. En las pinturas de figuras negras en los jarrones, los rostros se simplifican y el ojo es frontal, con la transición a la pintura de figuras rojas hay una personalización de los rostros con mayor realismo en el dibujo del ojo. Así nació el famoso "perfil griego" caracterizado por una línea casi continua entre la frente y la nariz.

Con los romanos, la cara de perfil se usará en las monedas como propaganda política, y la cara siempre se girará hacia la derecha. La vista de perfil idealizaba la figura, dándole solemnidad y autoridad.  Con el advenimiento de la Edad Media, el retrato de perfil parece desaparecer repentinamente. Cristo siempre está representado frente a él porque su mirada no puede perderse en el vacío. Dios tiene que mirar a los ojos para hacer sentir su trascendencia, mientras que los apóstoles son representados de perfil porque en oposición a Cristo están dentro del tiempo secular, excepto después de haber sido santos o mártires, en cuyo caso son representados de frente. Habrá que esperar a Giotto para las nuevas representaciones del perfil. Hoy en día, en la elección de las imágenes, se prefiere una mirada directa que mire a la lente y que despierte confianza, si las ilustraciones están de perfil, la vista se dirige hacia el objeto a comprar para que sea precioso, esencial de poseer e interesante, de esta manera la mirada del usuario será llevada a seguir la de la ilustración, centrándose en el objeto. 

Ilustración Orlando Acosta / Libro "El Rabanito que volvió"

El componente esencial para la percepción visual es el color.

Todo lo que nos rodea es colorido y nuestra mente asocia cada tono con un elemento, una emoción y un recuerdo. Si las ilustraciones están dirigidas a un público infantil, los colores serán claros y tranquilizadores, los dibujos tendrán curvas redondeadas y suaves, las curvas más angulosas y los colores más oscuros se reservarán para el antagonista de la historia. Si te diriges a un público adulto, los colores dependerán de las emociones que quieras transmitir: para el miedo y la ansiedad utilizarás el negro y todas sus tonalidades, o el gris o claro con sombras muy marcadas, si queremos expresar alegría, felicidad, colores vivos y juegos de luces. Saber dibujar no es suficiente, el dibujo es solo el punto de partida, es solo una representación gráfica de un elemento. La ilustración es una etapa más completa porque engloba una narrativa más profunda y el dibujo con la descripción encajan perfectamente y se intensifican. Ilustrar es, por lo tanto, la capacidad de encerrar una historia en una sola imagen a través de símbolos reconocibles. Un ilustrador es un artista que crea imágenes bidimensionales para diversas empresas e industrias, como el diseño de moda, libros infantiles, revistas, manuales médicos, sitios web, dibujos técnicos y anuncios. El ilustrador utilizará diversas técnicas para crear efectos, tales como: blanco y negro, riqueza de color, o el uso de luces y sombras.

“… En el mundo contemporáneo, el papel de la comunicación y el hecho comunicativo se han transformado profundamente, convirtiéndose en aspectos constitutivos del ser, si no en los principales. 'Ser' equivale a 'comunicar'. La comunicación ya no es una posibilidad disponible para el hombre: es más bien el horizonte dentro del cual se constituye su ser en el mundo. Sólo en las mallas de sus modalidades 'expresivas', el hombre parece ser capaz de revelarse a sí mismo..." 

(Paradoja. Rivista di filosofia, 4, 1998).

Ilustración: arte que nace del arte.

(S. Cecere Solofra, Italia - mayo de 2024). 

(El Gato con Botas, 1868 / Gustave Doré)

Hoy vamos a hablar de ilustraciones. Al final de la lectura de este texto, es posible que estemos agotados (no estresados). Mi enumeración es sólo ilustrativa y no pretende ser exhaustiva. Lo que puede hacer es agregar más información. Una opinión se define como una idea, juicio o concepto que una persona tiene o crea sobre alguien o algo. Las opiniones son respetables, y su heterogeneidad presupone una fuente indudable de riqueza e inspiración para la creatividad. Ahora pasemos al tema del que nos interesa hablar. 

No es fácil describir en pocas palabras qué es la ilustración. El término deriva del latín illustrare que significa "iluminar, sacar a la luz, revelar". Nacida del arte, contaminada por costumbres y tradiciones populares, a menudo se considera una práctica secundaria de las artes visuales. Es visible e invisible al mismo tiempo, pero indispensable e influye en nuestra cultura visual. Siguiendo los cambios de los tiempos y los códigos culturales, ha sabido sobrevivir, renovarse y consolidarse en el repertorio de las lenguas contemporáneas, que ahora está más vivo que nunca. Las primeras formas de ilustración o expresiones visuales se remontan a hace unos 30 mil años, cuando en cuevas, artistas nómadas y cazadores ilustraban animales de su mundo en las paredes de las cuevas de Altamira, Lascaux, o de Combe d'Arc. No sabemos si tenían una finalidad chamánica o mágica, pero gracias a estas representaciones hemos tomado conciencia de su existencia, por lo que podemos suponer que la ilustración nació con el homo sapiens.

La historia de la ilustración, como ya se ha dicho, tiene sus raíces en las cuevas de nuestros antepasados y posteriormente se desarrolló en bibliotecas, iglesias medievales y renacentistas - monasterios y en los talleres de pintores: artesanos de la técnica del fresco, el dibujo y el color, cuyas historias se entrelazan con la religión (uso didáctico y decorativo de las imágenes del cristianismo), mitos y grandes revoluciones, Ilustraciones de las hazañas de los hombres que han marcado la historia, cambiado el mundo y la percepción de la naturaleza. La invención de la imprenta y los grandes viajes de descubrimiento permitieron sentar las bases del conocimiento moderno. No menos importante fue el interés por las compilaciones zoológicas, a menudo acompañadas de dibujos: una colección de historias, descripciones e imágenes de animales reales o imaginarios, fueron realizados por artistas que fueron capaces de transmitir una reproducción del tema que constituyó las raíces del desarrollo de la ilustración naturalista y religiosa en los siglos siguientes. 

Imágenes religión, ilustración, templo, fe, iconografía, mural.

Las penas del joven librero: animales, bestias encantadas 
y criaturas fabulosas en la Edad Media.

¿Cuánto frenaron la Edad Media y la Iglesia el desarrollo tecnológico y científico? 

En la antigüedad, la pintura era la etapa inicial de las ilustraciones, pero hoy en día, las nuevas tecnologías tienen la capacidad de crear ilustraciones más complejas. De hecho, en el mundo contemporáneo, que no es una categoría temporal, sino una dirección metodológica que va tomando forma y se está reconfigurando continuamente en un enfoque complejo de la lectura de nuestro escenario social, la comunicación visual se ha convertido en el medio más inmediato para llegar al público de manera efectiva. Su capacidad para contar una historia a través de imágenes ha demostrado tener un impacto significativo en diferentes formas de comunicación. No es casualidad que muchos artistas destacados de los siglos XIX y XX se ganaran la vida moviéndose entre los campos creativos tanto de la ilustración como del diseño gráfico.

¿Cuál es la diferencia entre diseño gráfico e ilustración?

Con la ayuda del blog Grafigata (grafigata.com/differenza-grafica-illustrazione) intentaremos responder a esta pregunta. La principal diferencia entre el diseño gráfico y la ilustración es, ante todo, cómo y dónde se utilizan; La gráfica, aunque no es arte, está relacionada con la resolución de problemas, y por lo tanto con el sector comercial, mientras que la ilustración suele estar más relacionada con el arte; Tanto los gráficos como la ilustración tienen una serie de técnicas, medios y objetivos artísticos específicos. Es más fácil pensar en el diseño gráfico por su función comercial, donde la ilustración avanza por el camino de las bellas artes. El diseñador gráfico Adrian Shaughnessy dio una buena definición de la diferencia entre estas dos áreas: "La capacidad del diseño gráfico para transmitir mensajes explícitos lo convierte en una fuerza importante (aunque poco reconocida) en el mundo moderno: está integrado en la infraestructura comercial; La ilustración, por otro lado, con su vaga ambigüedad y su capacidad alusiva para transmitir sentimientos y emociones, la hace demasiado peligrosa para ser admitida en el contexto corporativo"; Los diseñadores gráficos tienden a mantener el anonimato más que los ilustradores, ya que su objetivo es comunicar las ideas de otras personas a través de los elementos básicos del diseño (colores, letras e imágenes); Los ilustradores, por otro lado, son buscados por los clientes en función de su estilo personal, capacidad estética y artística.

Ilustración: Susan Herbert 

¿Qué es la ilustración?

Las ilustraciones son una forma de representar o ilustrar un texto escrito a través de una imagen. Pueden ayudar a explicar una idea, contar una historia o proporcionar una decoración. Las ilustraciones se pueden encontrar en todas partes, especialmente en medios publicados como revistas, libros, carteles, materiales educativos y folletos. En el espacio digital de los sitios web y las aplicaciones móviles, a menudo encontrará ilustraciones creadas tanto a mano alzada (por ejemplo, con una tableta gráfica o escaneando un dibujo) como gráficos vectoriales (utilizando colores y formas para imitar un estilo ilustrativo). Las ilustraciones tienen la ventaja de que también pueden existir sin palabras. Detalles como las expresiones en los rostros de los personajes ayudan a que las ilustraciones evoquen emociones y conexiones profundas.¿Qué son los gráficos? Básicamente, es el tema en el que se utilizan colores, letras e imágenes para ayudar a las personas a comprender mejor las cosas. ¿Y eso qué significa? ¿Cuál es la diferencia con la ilustración? El ilustrador utiliza su ilustración, hecha de colores e imágenes (y, con menos frecuencia, de letras), para comunicar algo. A continuación, utiliza su propio estilo artístico y lo adapta a las necesidades del proyecto o a sus necesidades artísticas personales; El diseñador gráfico, en cambio, no crea algo porque sí, lo crea para conseguir ciertos objetivos: vender un producto, resolver un problema de comunicación de una empresa, comunicar un mensaje preciso o interactuar con un grupo de personas. Entonces, en gráficos, el objetivo es resolver un problema. Y para ello se utilizan colores, letras e imágenes. En la ilustración, en cambio, se crea una imagen que luego se puede utilizar de varias maneras: como decoración o como elemento dentro de un diseño. Nunca ha habido tanta diversidad en el trabajo ni más oportunidades para los ilustradores que, aunque pintan narrativas poco diferentes a las que se cuentan en las cuevas prehistóricas, pueden hacer sus obras dondequiera que vivan para cualquier país. Pero aunque muchas cosas han cambiado, el propósito de la ilustración sigue siendo el mismo: proporcionar una experiencia visual que comunique un significado más allá de lo que las palabras por sí solas pueden hacer.

"Siempre he creído que son las imágenes las que nos hacen ver el mundo. Sin ellos, no estoy seguro de lo que la gente vería. Muchas personas creen saber cómo es el mundo porque lo ven en la televisión. Pero si quieres entender cómo es realmente el mundo, tienes que interesarte por las diferentes formas en que se crean las imágenes".
(Martin Gayford)