En una sociedad utilitarista, el arte es inútil...

 porque está desprovisto de toda utilidad.

(Saverio Cecere, Solofra-Italia, julio de 2024)

Hoy vamos a hablar de cosas supuestamente útiles o inútiles. Por lo tanto, lo mejor que se puede lograr es poder combinar los negocios con el placer: la esperanza es que puedas divertirte mientras luchas. Sé feliz haciendo el trabajo que haces, visita una exposición de arte o lee un buen libro. Espero que disfrutes de la lectura de este texto.  

Así que. 

El arte es completamente inútil, escribió Oscar Wilde hace más de un siglo, en el prefacio de su famoso cuento "El retrato de Dorian Gray".

No es arte, son útiles: ingeniería, informática, biología, medicina, construir un puente o estudiar y perfeccionar un medicamento.  La utilidad de nuestras actividades se puede ver en el resultado: en una sociedad que tiende a reconocer un valor solo a lo que es monetizable y cuantificable en términos de "útil", es difícil poder dar el peso adecuado a lo que, en una perspectiva puramente instrumental y orientada a la eficiencia, suele considerarse "inútil", por lo tanto, el papel de las artes figurativas,  Y más en general, el arte parecería no tener ninguna utilidad práctica y, por lo tanto, ser "inútil".

Todo comenzó, alrededor de 1870. Con un enfoque innovador de la pintura, el impresionismo favorece la inmediatez y la intuición visual. Sus representaciones de la realidad están menos ligadas a la fidelidad formal y más orientadas a la transmisión de sensaciones e impresiones. Con la impresión se afirmó y consolidó la idea de que el arte no debe tener otro fin que él mismo: es el concepto del arte por el arte, la búsqueda de la belleza por sí misma. Y es precisamente en este contexto que Oscar Wilde afirma: "el arte es inútil": "Podemos perdonar a un hombre por haber hecho algo útil si no lo admira. La única excusa para hacer algo inútil es admirarlo intensamente".

Renoir, El almuerzo de los remeros - Obra típicamente impresionista.  

Para entender mejor de qué estamos hablando, conviene hacer una breve excursión a los principales periodos de la historia para tratar de establecer la presunta utilidad o inutilidad del arte. 

Empecemos por la prehistoria. Las cuevas del hombre prehistórico son ricas en pinturas y grafitis que representan animales, pero también en escenas complejas: hombres y mujeres trabajando, o bailando y realizando ceremonias; O, de nuevo, símbolos abstractos difíciles de interpretar, y manos impresas en las paredes con tintes vegetales de varios colores. El arte prehistórico en el Paleolítico tuvo principalmente fines mágicos y propiciatorios, mientras que posteriormente en el Neolítico, el arte adquirió un valor más decorativo, desligándose del mundo religioso.

Del Neolítico a Grecia. El arte griego es un conjunto de intentos de alcanzar la perfección en todos los campos: representar a un individuo humano de extraordinaria belleza, crear un edificio armonioso construido según proporciones matemáticas, como el templo, o una estructura perfectamente insertada en el entorno natural como el teatro. A partir de hace cuarenta siglos, el pensamiento se desarrolló junto con la técnica: investigar, comprender y hacer sentar las bases de toda la cultura artística (y no solo artística) de todo el mundo occidental. En la cultura de los griegos existe una relación muy íntima entre la divinidad y el ser humano. El arte griego expresa armonía, por lo que se han impuesto cánones para lograr proporciones perfectas. 

De Grecia a la Roma imperial. En los primeros siglos de la República, los romanos se concentraron en la organización del Estado. Entre los siglos III y II a.C. el contacto con el arte griego se hizo cada vez más estrecho. Entre los campos en los que se expresó en su mejor momento, es sin duda la arquitectura, interpretada en un sentido pragmático y funcional. Los romanos atribuían una función política y social a la obra de arte y la arquitectura.

A partir de la Edad Media todo cambia. Se ha dicho por algunos autores, entre ellos Joseph Ratzinger (Papa Benedicto XVI), que una buena apología de la Iglesia es la producción a lo largo de los siglos de mucha santidad y mucho arte. El primero puede ser más difícil de entender, pero el segundo está ahí para que todos lo vean; De hecho, el arte ha tenido numerosas funciones y a partir de la Edad Media y durante muchos siglos posteriores en las iglesias se utilizó para enseñar historias bíblicas a personas que muy a menudo no sabían leer.

 Lamento por el Cristo muerto de Giotto, fue un artista revolucionario, fundamental para el cambio artístico que dio origen a la cultura figurativa moderna.

La Revolución Francesa. En esta época revolucionaria, el arte adquirió una función político-educativa. De hecho, tenía que servir para instruir al ciudadano, para formarlo con los nuevos valores revolucionarios y aquí, el arte fue a pescar episodios de la historia antigua para adaptarlos al nuevo contexto histórico-cultural. Un maestro en este campo fue Jacques-Louis David, quien con el juramento de los Horacios quiso transmitir las virtudes de la antigua Roma republicana a la recién nacida república francesa.

La vanguardia histórica. Este término deriva del lenguaje militar y pretende subrayar la función innovadora de estos grupos de artistas, que a menudo se reúnen en torno a un programa de intenciones expresado por un manifiesto técnico-poético. Los artistas que formaban parte de las vanguardias históricas habían decidido romper con el lenguaje y los códigos artísticos del pasado. Sus objetivos eran prefigurar el arte del futuro o decretar su fin. Las opciones básicas de los movimientos de vanguardia se remontan a esta duplicidad de intenciones: por un lado, la voluntad constructiva y planificadora; por el otro, una voluntad crítica. A través de formas expresivas, manifiestos programáticos y con una actitud provocadora, quisieron "sacudir al público".

En 2004, una encuesta realizada a 500 críticos de arte declaró a "La fuente" como la obra de arte más importante del siglo XX por cuestionar la naturaleza misma de lo que era el arte y lo que hacían los artistas en ese entonces.

Para obtener más información, haga clic en:

Futurismo https://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo

Expresionismo https://pt.wikipedia.org/wiki/Expressionismo

Dadaísmo https://es.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmo

Surrealismo https://es.wikipedia.org/wiki/Surrealismo

Cubismo https://es.wikipedia.org/wiki/Cubismo

Abstraccionismo https://it.wikipedia.org/wiki/Astrattismo

Supremacismo https://es.wikipedia.org/wiki/Suprematismo

Constructivismo https://es.wikipedia.org/wiki/Constructivismo_(arte)

La posvanguardia o la llamada segunda vanguardia (1945-1970), comenzó después de la Segunda Guerra Mundial. Debido a las consecuencias de un evento tan brutal, Europa entra en una crisis cultural y política que favorece el surgimiento de un nuevo panorama artístico y permite que nuevas tendencias artísticas se desplacen de Europa a América, de Francia a Estados Unidos, de París a Nueva York. que se convierte en la nueva capital del arte, el epicentro de las nuevas vanguardias. Estas segundas tendencias se sucedieron muy rápidamente gracias a los medios de comunicación, que cada vez eran más efectivos debido al alto desarrollo tecnológico, pero al mismo tiempo eran recibidos de una manera más natural y menos traumática. La experiencia de las primeras vanguardias dio cierta tranquilidad y calma al mundo del arte, que supo asimilar mucho mejor esta segunda ola. Ahora las vanguardias no nacen de artistas incomprendidos que quieren llamar la atención del público, sino que se convierten en nuevas y atractivas propuestas. Adquieren un tono más atractivo, moderno y exclusivo que favorecerá el mercado y el acercamiento del público en general. 

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https://www.elmarcoverde.com/segundas-vanguardias-1945-1970/

La época contemporánea está marcada culturalmente por la Ilustración, políticamente por la Revolución Francesa y económicamente por la Revolución Industrial. Los amantes del arte contemporáneo están fascinados y desorientados por este tipo de arte: diferentes corrientes de pensamiento, ideas diferentes y contradictorias. ¿Es el arte contemporáneo una extensión del arte moderno? O, de nuevo, ¿es una imitación de la otra? Deteniéndose en la última cuestión, hay quienes, erróneamente, todavía tienden a no diferenciar entre los dos, pero en realidad constituyen dos corrientes artísticas muy distintas, y con diferencias precisas, tan precisas que el hombre de nuestros días se siente atraído por lo que tiene una utilidad. El mundo del arte experimentó una transformación radical en su estructura y fines con la consiguiente mutación de la figura social del artista, lo que podría conducir a un compromiso cada vez menor del arte y a una mayor orientación hacia las formas de entretenimiento: este término describe la producción de obras de arte utilizadas en juegos, películas y programas de televisión. 

Se habla mucho de Comedian (Comedian), una "obra de arte" de Maurizio Cattelan (Padua 1960) expuesta en la feria de arte contemporáneo Art Basel de Miami: Unos días después el plátano fue comido por David Datuna, un visitante que también era "artista", que fue filmado comiéndolo. Explicó que la suya también era una exposición artística: Artista hambriento.

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https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_contempor%C3%A1neo

Después de la incursión en la historia del arte, ¿es razonable creer que el arte es un medio de expresión perfectamente inútil? Sí, desde cierto punto de vista, es precisamente en esta inutilidad donde reside su importancia. Preguntémonos primero qué entendemos por útil, y al hacernos esta pregunta descubriremos que nuestra idea de útil está enteramente modelada en las necesidades de una sociedad en perpetuo movimiento. Abrumados por los deberes, las responsabilidades y una retórica de valores que quiere que estemos siempre activos y comprometidos, no tenemos tiempo para detenernos a reflexionar, y a centrarnos en esa belleza que, parafraseando a Dostoievski, debería o podría salvar el mundo. No tenemos tiempo para la lentitud, la observación o incluso el aburrimiento, porque el aburrimiento nos obliga a reflexionar, y la reflexión se desalienta hasta el punto del ostracismo en este mundo que se mueve demasiado rápido. Y el arte, que es por definición silencioso, conceptual, inmóvil y por muy aburrido, es la expresión de todo esto. Una invitación a detenerse, a comprender, a sentir sin dejarse abrumar por el estruendo de la realidad. El arte, en su desarmante inutilidad, atestigua que no todo lo que necesitamos tiene un propósito, o es un medio, porque tal vez es precisamente en esto donde reside la esencia más auténtica del ser humano, lo que nos distingue de los animales: la capacidad de apreciar, amar, realzar incluso lo que no nos es directamente útil para nuestro sustento,  para nuestra supervivencia. Y así acogemos el arte inútil, que nos emancipa de la esclavitud de lo necesario y nos recuerda que la expresión más auténtica de la humanidad está en el niño que se detiene, encantado, a observar una puesta de sol sin otra razón válida que su belleza desarmante, que llena el alma (Giulia Mecozzi, elapsus.it/2023/01/la-presunta-inutilita-dell'arte-e-). 

En las democracias mercantiles existe un conocimiento considerado "inútil" pero que, en cambio, resulta extraordinariamente útil. El arte, precisamente porque es inútil, no está ligado a la mera supervivencia, nos distingue de los animales (Giulia Mecozzi).   Aunque el arte se desprenda de cualquier intención constructiva, para ser, ante todo, la manifestación del pensamiento del artista que lo produce y permaneciendo, a veces, atrapado por su propia imposibilidad de transmitir mensajes profundos más allá del escandaloso, el arte ha desarrollado la cultura y con su papel en el mundo es uno de los inventos más increíbles de la raza humana. 

Entonces, si quieres convertir a un hombre en un don nadie, todo lo que tienes que hacer es considerar su trabajo inútil 

(Fiódor Dostoievski).

Cuando el algoritmo quiere ser artista:

 arte entre el artificio, la naturaleza y las neuronas 

(Saverio Cecere, Solofra, Italia julio de 2024). 

La noche estrellada de Van Gogh reproducida con inteligencia artificial.

Noche estrellada pintada por Van Gogh en 1889.

¿Cuál es la diferencia entre la Noche estrellada de Van Gogh reproducida con inteligencia artificial y la Noche estrellada pintada por Van Gogh en 1889? Si entiendes las diferencias, entiendes de lo que vamos a hablar. 

Hans Moravec, matemático austriaco, considerado uno de los padres de la robótica, "escribió ya en los años ochenta del siglo pasado, mucho antes del advenimiento de la inteligencia artificial generativa, que es relativamente fácil, hacer que los ordenadores muestren un rendimiento de nivel adulto en pruebas de inteligencia o en jugar a las damas, es en cambio difícil, si no imposible, darles las habilidades en lo que respecta a la creatividad". 

La inteligencia artificial es, sin duda, el tema de innovación tecnológica del momento. A pesar del creciente interés en torno a ella, todavía existen preocupaciones y críticas planteadas por los detractores de esta tecnología. Todo el mundo habla de ello, pero pocos saben qué decir. Para entender la magnitud del problema, comencemos por el riesgo más discutido y con mayor probabilidad de manifestarse en el corto plazo, a saber: ¿La inteligencia artificial reemplazará al trabajo humano en todas sus manifestaciones? Entre dudas y certezas, la relación entre el hombre y la naturaleza sigue siendo de absoluta centralidad, tanto en los debates científicos como en los estético-artísticos. Allí donde se abre una reflexión sobre el ser humano, el arte entra en juego y trata de abordar cuestiones clave de su tiempo con los medios y el lenguaje de que dispone. Esta relación implica, entre otras cosas, la capacidad de razonar, planificar, resolver problemas, pensar de forma abstracta, comprender ideas complejas, aprender rápidamente y aprender de la experiencia. 

Cuando nos interrogamos sobre estos temas, nos vemos inducidos a buscar definiciones inmateriales, como la inspiración, las ideas, las emociones, la belleza y la sensibilidad, pero al hacerlo olvidamos que la obra, para expresar todo esto, está "construida" a partir de elementos materiales, físicos y tangibles. Su papel es esencial para el contenido de la obra misma. Si visitas una exposición, leerás en la placa colocada junto a una obra, el título, el año y el autor, también sugiere el material y la técnica física con la que fue realizada y permite al artista comunicar el contenido de la obra al observador.

fotografía de Hans Namuth, donde podemos observar al 

artista norteamericano Jasper Johns, trabajar sobre una piedra litográfica en 1962.

Dado que nada surge de la nada, debemos entender que toda obra o idea creativa siempre está precedida por un camino histórico. Probablemente las nuevas ideas que surgen en la mente del artista no son del todo nuevas, porque tienen sus raíces en representaciones ya existentes. Por decirlo de otra manera, detrás de cada idea creativa está el germen de nuestra cultura, todo nuestro conocimiento y experiencia. Si entendemos la creatividad como el resultado de establecer nuevas relaciones, entonces cuanto más conocimiento tengamos, mayor será nuestra capacidad de ser creativos.  Una definición de creatividad sería: "Una idea creativa es una nueva combinación de ideas conocidas", en la que participan la memoria, la analogía, el aprendizaje, la sensibilidad, el razonamiento y otros factores". ¿Se puede sustituir esta definición ("Una idea creativa es una nueva combinación de ideas conocidas") por otra "idea creativa" creada con IA? ¿Será capaz la inteligencia artificial de contribuir a la creación de una nueva estética? Dado que el ser humano es irremplazable, la respuesta es NO PUEDE contribuir a la creación de una nueva estética y trato de explicar por qué: 

• La IA se limita a la programación cuya limitación fundamental es su incapacidad para comprender realmente las emociones y experiencias humanas. El algoritmo de IA puede reconocer, modelar y emular respuestas emocionales, pero solo en la comprensión intrínseca que es inherente a los humanos.

• Los seres humanos tenemos creatividad, que indica genéricamente el arte o la capacidad cognitiva de la mente para crear e inventar, mientras que la inteligencia artificial permite a los sistemas comprender su entorno, relacionarse con lo que percibe y actuar hacia un objetivo específico. La computadora recibe los datos (ya preparados o recopilados a través de sensores, como una cámara de video), los procesa y responde.

• La inteligencia artificial no tiene la capacidad de crear conexiones emocionales auténticas (empatía), sino que los humanos sí.

• La empatía desde el punto de vista de la neurociencia (Ingar Brinck, Departamento de Filosofía y Ciencias Cognitivas de la Universidad de Lund, Suecia) está vinculada a procesos fisiológicos y estéticos, podría proporcionar una base conceptual extraordinaria para todo el proceso creativo. La creatividad y la empatía, aunque aparentemente sean cosas distintas, caminan juntas, componiendo una forma variada y polimorfa de percibir las realidades (interiores, exteriores, propias, de los demás y de las cosas). Y por supuesto, cuanto más se utilizan, más aumentan, recíprocamente, porque en su base, había un proceso muy antiguo desde el punto de vista de la evolución humana, caracterizado por neuronas que actuarían inmediatamente antes de cualquier procesamiento cognitivo.

En otras palabras, la neurona, esa unidad funcional del sistema nervioso, una célula altamente especializada para recibir, procesar y transmitir información, no puede ser replicada ni reemplazada por un algoritmo. El uso de la IA haría que algunas habilidades humanas quedarán obsoletas, con un impacto negativo en la capacidad de aprendizaje. Es el aprendizaje (esa capacidad conductual que sigue a la interacción con el entorno y a la creación de nuevas experiencias) lo que le falta al artista que, habiendo perdido su camino en la jungla de las nuevas tecnologías, ya no es capaz de anticipar y tal vez ni siquiera de imaginar los efectos finales de su hacer.

Galatea, Rupert Burns y Andrew Martin de la Película "El Hombre Bicentenario" (1999)

Para concluir, permítanme esta reflexión: la tecnología, la innovación y la inteligencia artificial han avanzado drásticamente en las últimas décadas. Algunos ven este progreso como una fuente de peligro que podría llevar a que la tecnología supere a la humanidad. Otros ven la IA como una forma de mejorar la sociedad, el trabajo y la vida. Con cualquier nuevo avance, el resultado depende de cómo y por qué se utiliza. La inteligencia artificial en manos de los artistas, aparte de la fealdad que producen con ella, no representa ningún peligro, sin embargo, podría ser un peligro mucho mayor que las dictaduras, pues al estar desprovista de emociones y ética, podría controlar o tomar el control de todas las actividades humanas. Es esencial recordar que los sistemas impulsados por IA utilizados incorrectamente con fines políticos socavan el proceso democrático correcto, especialmente por parte de las nuevas generaciones, que ya no pueden dar sentido al concepto de representación. En este contexto, el artista no puede situarse fuera de ella. En tiempos tan controvertidos, parece que la creatividad no tiene derecho de ciudadanía, sino que los artistas e intelectuales tienen la responsabilidad de tratar de identificar los caminos para recomponer las fracturas culturales y sociales creadas por la IA. 

HECHOS Y FECHORÍAS DEL ARTE CONTEMPORÁNEO

Giotto, el precursor de la pintura renacentista

Paul Cézanne, el precursor del cubismo

Manet, el precursor del impresionismo

Theo van Doesburg, padre de la abstracción geométrica.

La Fuente (1917) de Marcel Duchamp

Galería Laz Emporium en Lexington Street en Soho.

La policía de Londres recibió una llamada en la que se informaba de una mujer inconsciente sobre un escritorio, ésta se podía ver a través de la ventana de la Galería Laz Emporium en Lexington Street en Soho. Cuando la policía rompió la ventana, se encontraron frente a Kristina, una obra hiperrealista del artista Mark Jenkins.

Las imágenes anteriores nos dan una idea clara del tema que trataremos a continuación. 

Hechos y fechorías del arte contemporáneo 

¿Por qué el arte contemporáneo parece incomprensible? 

¿Qué espera la gente de una obra de arte? 

¿Podrá la gente entender algún día el arte contemporáneo?

(Saverio Cecere, Solofra-Italia – Junio 2024)

No es fácil responder a éstas preguntas, pero plantea una serie de dudas sobre la existencia y función que puede tener la obra de arte contemporáneo, cuyo significado parece incomprensible por no decir absurdo. Obras de arte extrañas y descontextualizadas que ya no despiertan emociones. ¿Por qué sucede esto? ¿Acaso nos hemos vuelto incapaces de comprender un arte que se ha vuelto demasiado "elevado", prerrogativa de los expertos, o el arte ha perdido la capacidad de comunicar una emoción o un mensaje?

El artista contemporáneo es capaz de crear asombro, admiración, pero también repugnancia: cartones, polvos, mallas metálicas, lienzos, gasas, cintas adhesivas... La búsqueda de materiales sobre los que catalizar el mensaje creativo es hoy el orgullo del artista, que confía el testimonio personal de su tiempo a un campo de acción indefinido e indefinible. Nos encontramos ante la traslación de la "Obra de Arte" hacia el "Objeto de Arte", operación con la que el artista declara su derecho a registrar el espacio y la forma en un proceso que desvincula el arte de sí mismo y lo dispersa en distancias expresivas y sin barreras. El cine y la literatura, pero también las redes sociales y los multimedia, son los contextos más manipulados y reelaborados por esta nueva generación de artistas que, conscientes de las implicaciones negativas de las innovaciones tecnológicas y el progreso frenético, se interesan por desencadenar una reacción emocional; lo que importa no es tanto la representación estética de una obra, sino el efecto que causa (Claudia Onistio https://www.ithinkmagazine.it/artista-e-arte-contemporanea-oggi/).

La consecuencia de este mecanismo es que la atención pasa de la obra al artista, a su capacidad de reinventarse, no solo en sus creaciones, sino también en la puesta en escena de su personalidad. ¿Podría ser que este comportamiento sea una especie de transferencia donde el artista, a través de la obra de arte, "traslada" al público sus propios conflictos que, a su vez, son relaciones residuales o conflictos vividos en el pasado y resurgen en el presente?

 Aquí es donde radica el drama, entre el artista y la creatividad, se rompe el hilo conductor, cada uno sigue su propio camino y siente que tiene derecho a decir y hacer lo que quiera: el arte y el artista se mueven en una dirección desigual y opuesta, creando una especie de "colisión" de valores estéticos, cuyo objetivo es transformar (consciente o inconscientemente) una de las actividades humanas más importantes en una especie de fetiche cultural. Podríamos definirlo como una especie de "Anti-arte" (fugaz, transitorio - sin dejar rastro), que desvirtúa su naturaleza y función, hasta el punto de que el arte contemporáneo es visto hoy como un "Juguete", que, al no tener sentido en sí mismo, niega emoción, valor y contenido (Fil Rouge: restos y ruinas en el arte más o menos contemporáneo (https://www.facebook.com/profile.php?id=100036185633101). 

¿Por qué el arte contemporáneo parece incomprensible?

La primera pregunta que todo el mundo se hace frente a una obra de arte contemporáneo es: "¿Es esto arte?", ¿qué representa o significa? O, de manera simplista, responde: "Yo también podría haberlo hecho". Según Umberto Eco, en el "Tratado de Semiótica General", la obra de arte debe ser como un texto en un libro: legible. Sin embargo, si retrocedemos en el tiempo, vemos cómo la legibilidad de una obra nunca ha sido algo claro. Una pintura, un retablo o un políptico no quieren significar legibilidad y claridad a toda costa, al contrario, en la mayoría de los casos aún hoy nos preguntamos por sus significados. 

Todo momento artístico debe ser pensado y razonado en el tiempo en el que se encuentra. Del mismo modo que hoy somos escépticos con el arte de Marina Abramovich, o con las obras kitsch y pop de Jeff Koons, antes éramos críticos con algunos lienzos o ciclos de frescos realizados por los artistas más populares. Recordemos que Miguel Ángel Buonarroti no estuvo exento de críticas bastante fuertes. Incluso Caravaggio, portador de una ola de arte revolucionario, tuvo bastantes problemas con la aceptación de algunas de sus pinturas más bellas (así como problemas con la justicia por los problemas en los que se metía casi a diario). Los ejemplos podrían seguir y seguir, pero pueden ser suficientes para hacernos entender de qué estamos hablando (Umberto Eco, "Trattato di semiotica generale", 1975).

Hacer creer a la gente con la retórica insoportable de "la belleza que salvará al mundo", es un error, en todo caso, el mundo debería salvar la belleza, este es el verdadero problema.  El arte contemporáneo en todas sus manifestaciones se burla de sí mismo, el público al no entenderlo, lo considera un juguete inútil y caro expuesto a bromas, engaños y malentendidos: "Hace poco tiempo la policía de Londres recibió una llamada informando de una mujer inconsciente sobre un escritorio más allá de la ventana de la galería Laz Emporium en Lexington Street en Soho. Cuando la policía rompió la ventana, se encontraron frente a Kristina, una obra hiperrealista del artista Mark Jenkins. Y de nuevo: en el Museo Picasso de París, una anciana vio una chaqueta colgada en la pared. Lo cogió pensando que alguien lo había olvidado, se lo llevó a casa e incluso le hizo un dobladillo porque era demasiado largo. Se trataba de una obra del artista Oriol Vilanova, que invitaba al público a interactuar llevándose una de las postales colocadas en sus bolsillos. Digamos que más que un robo fue un exceso de interacción. Si en estos casos hubo algún daño, hace diez años el Eron de Rímini se regocijó cuando un albañil enyesó su dibujo de un agujero en la pared, demostrando lo bien que estaba hecho. El dúo de artistas Goldschmied & Chiari, por su parte, se partió en dos después de que una mañana un limpiador del Museion de Bolzano (Italia) tirara a la basura una instalación de ellos hecha con botellas vacías: a uno le gustó mucho, el otro se enfadó mucho (pero solo al principio y no diremos quién reaccionó cómo). Ese trabajo fue, de hecho, es, porque luego se rehizo e incluso se volvió a proponer varias veces. 

Esta gran lección para el mundo del arte, por desgracia, no ha servido de mucho: muchos, todavía demasiados, fingen maestría incluso cuando no tienen ni idea de lo que están hablando. ¿La moraleja? No hay ninguno. El arte nunca tiene moral y no le importa si el espectador conoce el nombre del autor o no. Hay espacio para todos, incluso para los que no existen" https://www.ilpost.it/2024/04/21/ballario-sedia-con-corpo-adagiato-e-altri-scherzi/

Explicar de dónde viene este malentendido es menos fácil de lo que parece. Para ello, es necesario preguntarse cuál es el horizonte de la expectativa de las personas respecto a las obras de arte.

Guernica, 1937 de Pablo Picasso

¿Qué espera la gente de una obra de arte?

Los estereotipos no son estáticos y evolucionan de una época a otra. Según los cánones estéticos preestablecidos, una obra de arte es un objeto circunscrito, de forma rectangular o cuadrada, que después de ser colocado dentro de un marco se cuelga en la pared; Su contenido debe reproducir algo igualmente comprensible en función del grado de verosimilitud con lo que se reproduce. Si la obra se juzga satisfactoria, se expresa un juicio de valor: bello - feo, gustado - disgustado. A veces se acentúa el reconocimiento de la belleza y entonces la gente se emociona. Pero el arte no es emoción o, mejor dicho, excitar no es su función primaria y principal. El arte es ante todo pensamiento, la emoción también puede llegar, pero no necesariamente. Para ser considerada una obra de arte, debe contener pensamiento.  El mayor malentendido y el error de juicio más trivial que se puede cometer frente a una obra de arte es confundir el valor y el contenido de una obra con la emoción que provoca en ti. 

Concepto espacial (Attese), 1960 de Lucio Fontana

 ¿Podrá la gente entender algún día el arte contemporáneo?

En nuestra sociedad llena de contradicciones, cada vez es más difícil encontrar consuelo. En este sentido, el arte puede venir a nuestro rescate. Es por ello que se multiplican las exposiciones de los grandes maestros del pasado que, habiendo demostrado su valía y superando el paso del tiempo, son el refugio seguro para entender la obra de arte. Cuando nos sumergimos en las obras de los grandes maestros (desde la Edad Media hasta las vanguardias históricas del 900, ya tenemos una idea bastante precisa de lo que vamos a ver, (es decir, nuestro horizonte de expectativas), a partir de esta consideración, las obras de arte contemporáneo que no se parecen a las de Giotto, Cézanne, Manet o Van Doesburg, nunca podríamos admitir que es arte,  ya que nos inclinamos a creer que el arte es sólo lo que estamos acostumbrados a reconocer como tal. ¿Por lo tanto? Así que hay que tener paciencia y esperar a que la obra hiperrealista Kristina del artista Mark Jenkins, las botellas de plástico (Goldschmied & Chiari) y toda esa especie de "Anti-arte" se olviden para cambiar de rumbo.

Entonces, ¿cómo podemos cambiar el rumbo? Es necesario reeducar nuestra mente, dejando de lado nuestras creencias demasiado rígidas. Para tener éxito es fundamental que la creatividad tenga la capacidad de cambiarse a sí misma, del entorno en el que se produce, y de superar las dificultades resolviendo los pequeños y grandes problemas a los que se tiene que enfrentar cada día. Un recurso prácticamente infinito del que siempre debemos sentirnos responsables.  El artista debe crear y no personificar el arte, retomar el tema de la ética y la responsabilidad, si no quiere aceptarlo, tendrá que renunciar a cualquier aspiración. Sin ética y responsabilidad, el arte queda reducido a un juego para adultos, a un objeto de uso o decoración. El arte debe partir del "principio de las cosas", representado por esa sustancia primordial de la que derivarían todas las cosas que dominan el universo, de la que todo viene y todo volverá. El arte requiere inteligencia, innovación, invención, lo busca, lo quiere, de lo contrario ni siquiera sería arte, sino otra cosa. 

El poder persuasivo de la imagen

(Saverio Cecere Solofra, Italia, junio de 2024). 

René Magritte - El misterio detrás de la manzana

"La mente piensa en imágenes, es bien sabido. Una buena ilustración vale más que mil palabras. Pero una imagen clara construida en la mente del lector a través de tus palabras vale más que mil dibujos, porque el lector colorea esa imagen con su propia imaginación, que es más poderosa que todos los pinceles de todos los artistas del mundo" 
Robert Collier.

Marc CHAGALL - Adán y Eva y el fruto prohibido, litografía de 1960.  

La vida de esta pareja era perfecta porque estaban de acuerdo con Dios. 

Vivían en el paraíso terrenal, donde no les faltaba nada 

y estaban inmersos en el amor y la armonía.
Será la serpiente quien romperá el equilibrio 

entre Adán y Eva y con el mundo que lo rodea.

Si es cierto que desde los albores de la civilización, las personas han sentido un profundo deseo de comunicarse y de hacer saber a los demás lo que pasaba por sus cabezas, entonces la de la publicidad es quizás la profesión más antigua del mundo. "Probablemente el primer anunciante fue el diablo, vestido de serpiente convenció a Adán y Eva para que le dieran un mordisco a una manzana. ¿El costo? Ya sabes, lo hemos perdido todo. Pero la serpiente era buena para convencer, ¿no? La publicidad tiene orígenes muy antiguos y está ligada a un elemento decisivo: la escritura. Tan pronto como existió la posibilidad de explotar símbolos sobre una superficie (papel, lienzo, piedra, etc.) hablamos de publicidad en sentido estricto. Hay hallazgos arqueológicos que hablan de vallas publicitarias en la antigua Pompeya para destacar eventos deportivos o mejorar la calidad de tiendas y negocios. En la Edad Media, la figura del subastador era famosa 
(fuente: Riccardo Esposito Publicado My social WEB, 2022).

Símbolo fálico en la calle para indicar el prostibulo o burdeles 
de Pompeya, Nápoles, Italia

Si queremos utilizar un símil con los medios de comunicación actuales, el subastador puede compararse con un noticiero moderno, intercalado con anuncios, un orador, un portavoz, un locutor de televisión o incluso un presentador. En la Edad Media, no existía ningún medio de información, el subastador era el único "medio de comunicación de masas" capaz de llevar a cabo una función informativa. 

A partir de la década de 1700, con el aumento de la producción industrial de bienes de consumo, comenzó el proceso comúnmente llamado "consumo masivo", los industriales comenzaron a envolver sus productos en papel impreso: este es el nacimiento del diseño de logotipos y empaques. Los envoltorios del producto tenían que ser agradables a la vista, poniendo a la vista la marca del fabricante, así fue como las "impresiones publicitarias" comenzaron a convertirse en una moda cada vez más extendida. 

En las capitales europeas y norteamericanas, los artistas y diseñadores comenzaron a dar rienda suelta a su creatividad. Muchos carteles fueron realizados por artistas conocidos, como el anuncio del hotel de día "Chat noir" en Toulouse-Lautrec; el futurismo, que estaba especialmente cerca del mundo de la publicidad; hasta el Pop Art, que fue un movimiento artístico fuertemente influenciado por la publicidad, el consumismo y la cultura de masas. Quizás el ejemplo más conocido son las latas de sopa Campbell's de Andy Warhol. Analizar el papel de la publicidad en la historia del arte requiere un razonamiento complejo con la consiguiente elección de contenidos a tener en cuenta. Si el término Arte nos remite a la categoría abstracta de la creatividad, la Publicidad está inevitablemente ligada al marketing. A pesar de la aparente antítesis de dos conceptos que parecen pertenecer a campos semánticos diferentes, el matrimonio entre Publicidad y Arte se ha producido y parece destinado a no disolverse.

Chat noir" - by Henri de Toulouse-Lautrec

Refresco Campari amargo, pintado por Depero, 

cartel publicitario creado para la empresa italiana

Andy Warhol - Serigrafía a color de la sopa Campbells, 1968.

El autor del cartel publicitario es el pintor Jules Chéret que entendió la importancia de la imagen, y su capacidad para llamar la atención más que las palabras. También merece el "crédito" de haber introducido la representación de las mujeres en los carteles publicitarios. El progreso tecnológico también juega a su favor, ya que la litografía representa un salto cualitativo y cuantitativo en la producción de carteles. Por un lado, permite imprimir en varios colores de forma más sencilla y a un coste menor que la tipografía, y la evolución de los moldes (primero en piedra caliza y luego en zinc) permite plasmar la línea del artista. 
(fonte: laimprentacg.com/jules-cheret-el-creador-del-cartel-moderno/) sin pérdidas. 

Jules Chéret - Cartel litográfico para las exposiciones del Folies, 1888

Uno de los manifiestos más conocidos de Chéret, 
en el que brilla una sensualidad revolucionaria para la época.

Etiqueta de producto Rimmel de Jules Chéret

La publicidad tiene el efecto de transferir valores, a través de conexiones comunicativas, entre lo que una cultura concibe como un estado deseable del ser, y lo que ofrecen los productos y servicios. La comunicación comercial tiende, por tanto, a reproducir el orden normativo presente en una cultura respondiendo a él y reflejando lentamente los cambios en la sociedad. Se puede deducir que de la comunicación comercial masiva no se esperan cambios drásticos en los valores, esto se debe a que los comunicadores tienen que elaborar estados de ánimo deseables o aceptables de gran parte de la población 
[fuente: tesionline.it/tesi/brano/consumismo-e-pubblicità].

Ventajas y desventajas de la publicidad.

Las actitudes y juicios expresados, a lo largo de los años, por el público hacia la publicidad nunca han sido neutros, sino siempre dictados por un sentimiento de amor/odio, legitimación/desaprobación, etc. En general, podemos encontrar dos grandes categorías de opiniones sobre el fenómeno publicitario: las opiniones en su defensa (expresadas sobre todo por el mundo empresarial, por los profesionales que realizan las campañas y por el mundo de los medios de comunicación que difunden sus mensajes) y las opiniones desfavorables (expresadas por preocupaciones pedagógicas, culturales, ideológicas y sociales).

Beneficios de la publicidad:

Tiene una función informativa. Es una herramienta que permite al consumidor conocer los productos que existen en el mercado. Se muestra como una ventana a los productos, ofreciendo una amplia gama de propuestas que permite comparar, evaluar y luego elegir.

Cumple una función lúdica ya que entretiene al espectador, le hace escapar de la realidad gris de la vida cotidiana para adentrarse en un mundo de fantasía, le hace divertirse y relajarse. Además, no requiere mucho tiempo, esfuerzo o concentración y es apto para todo el mundo y utilizable por todo el mundo. La publicidad es divertida no sólo porque te hace reír o sonreír, sino también porque logra "proporcionar momentos de escapismo y procesos de identificación que se consideran gratificantes" (Fabris 1997, 536).

Tiene una función educativa de estética y gusto. Para ser "atractiva" utiliza a menudo las mismas técnicas que las principales formas artísticas y expresivas, hasta el punto de que se la considera una verdadera forma de arte. Además, educa para cuidarse a uno mismo y al entorno que nos rodea.

Desempeña una importante función educativa y formativa, ya que enseña, explica y demuestra. Es "un campo de entrenamiento para experimentar con lenguajes e imágenes, enriquece el vocabulario" (Fabris 1997, 534), especialmente para los estratos menos educados de la población. En su conjunto, la publicidad hoy en día se caracteriza por la propuesta sistemática de estilos de vida y pensamientos, hábitos, diversos modelos de comportamiento y lenguaje, que representan lo que es correcto y "normal" en una sociedad determinada, en un momento histórico determinado. De ahí su poder pedagógico (tanto positivo como negativo) que, inevitablemente, le confiere una importante responsabilidad social, especialmente hacia los jóvenes, ya que suele presentarse de forma lúdica que esconde los posibles lados negativos.

Desventajas de la publicidad:

Algunas de sus características estructurales como su repetitividad (que por un lado asegura la penetración de los mensajes, pero por otro lado provoca redundancia y por tanto aburre y molesta al público que tiende a rechazarlo); y su carácter intrusivo (por el que el espectador está expuesto, incluso contra su voluntad, a mensajes publicitarios, que llegan a ser incluso irritantes).

Propone modelos para inspirarse que, a veces, están demasiado "alejados" de la realidad. Vende sueños seduciendo a la gente y ofreciéndoles mundos completamente irreales. Se considera una verdadera "fábrica de sueños" porque falsifica la realidad y la sustituye por modelos ficticios, creando un continuo en el que se mezclan realidad y ficción. La publicidad televisiva, en particular, ha asumido cada vez más el papel de refugio para aquellos desesperados por escapar, seguridad y consuelo. Es como una ilusión, un espejismo en el desierto, un paraíso artificial y es quizás la única comunicación que solo puede darnos buenas noticias, presentando solo el lado positivo del mundo. Su tono es el de la comedia o la opereta, nunca el del drama. En definitiva, la publicidad quiere crear un clima favorable para la aceptación de sus propuestas representando un mundo fácil, muchas veces con efectos nocivos para sus espectadores.

Es, en parte, responsable del consumismo. Le da demasiado valor a las cosas haciéndolas parecer más bellas e importantes de lo que realmente son y haciéndolas amar desproporcionadamente. Incluso parece sugerir que, después de todo, los objetos de consumo son los únicos que vale la pena cuidar y realmente necesitan. De esta manera, hace necesidades que no son realmente indispensables, lo que lleva a compras innecesarias. Como dice Fabris (1997, 64), "la diferencia entre necesidades primarias y secundarias, entre consumo necesario y discrecional, se ha vuelto cada vez menos clara".

Es una herramienta muy poderosa de persuasión y manipulación. Es palpitante, petulante, se te mete en el cerebro y no te hace capaz de decidir por ti mismo. Para lograr su objetivo, utiliza y abusa, sin escrúpulos, de ningún medio: la ternura que despierta un animal o un niño, el desnudo femenino, hasta la bonita "forma de hablar" de los jóvenes.

Por lo tanto, la publicidad tiene aspectos positivos y negativos; Se puede amar y criticar. La crítica a la publicidad se refiere principalmente a sus efectos, que van más allá de los límites de la economía e invaden la vida social y política. Los mensajes publicitarios interactúan con otro tipo de mensajes (políticos, religiosos, morales, civiles, etc.), generando consecuencias que van más allá del ámbito económico. Dado que se difunde principalmente por los medios de comunicación de masas, sus efectos afectan a un público muy diverso.

Por lo tanto, es necesario que los destinatarios de los mensajes publicitarios desarrollen una madurez crítica que les permita defenderse de posibles efectos negativos. En particular, se debe enseñar a los jóvenes a analizar críticamente el mensaje publicitario, a conocer los mecanismos de este mensaje, a "identificar las trampas, incluidas las semánticas, que se colocan" (Baldini 1996, 15-16). 

Es cierto que la publicidad es una forma de comunicación "sesgada" y que tiende a engañar, pero es más difícil que tenga éxito si el consumidor está suficientemente preparado y es astuto, o al menos consciente de la parcialidad básica de la publicidad. A lo largo de los años, las actitudes de los consumidores hacia la publicidad han evolucionado y se han vuelto más favorables. Hoy en día, el consumidor es menos cauteloso. Está persuadido, pero no pasivamente. Sabe que la publicidad tiene su propio propósito preciso (que es empujarlo a comprar ese producto en particular) y que puede ser útil y agradable, pero también arrogante  y desagradable; de buena y mala calidad. En otras palabras, él está, por así decirlo, "conscientemente persuadido" 
(tomado de web.tiscalinet.it/a_fianda/it/lgp/). 

Entre ventajas y desventajas, la publicidad ha sido y seguirá siendo el principal motor de la comunicación de masas. Hoy, gracias a la invención de las radios, los televisores y los ordenadores, aquel primer anunciante vestido de serpiente sigue siendo uno de los elementos más presentes en nuestras vidas. En el último siglo hemos asistido al nacimiento de la publicidad contemporánea, es decir, el mensaje de pago que envía la industria con el objetivo de informar o influir en las personas que la reciben sobre un producto o servicio. En el mundo actual, la publicidad utiliza todos los medios de comunicación posibles para transmitir su mensaje, pero de esto hablaremos en próximos posts.

El nuevo logotipo de "We ♥ NYC" es un cambio que de alguna manera refuerza la unidad de los neoyorquinos, pero el nuevo símbolo no ha sido bien recibido por todos.

             "La publicidad no es una ciencia. Es persuasión. Y la persuasión es un arte". Bill Bernbach

¿Quién es quién?

...en un glosario de términos y conceptos trataré de precisar algunos de los actores que intervienen en los procesos creativos e intelectuales.

Hola, soy Orlando Acosta, vivo en Naples, Florida USA.

Imágen gráfica: Orlando Acosta

En la actualidad las comunicaciones tecnológicas nos permiten, a través de internet, acceder rápidamente al conocimiento, despejar las dudas y crear una visión más clara sobre quiénes y cómo actúan algunos elementos en el proceso creativo, así que seleccionando la información con un poco de sensatez podemos reforzar nuestro criterio.

¿Diferencia entre la Mente y el Cerebro?

"El cerebro es un órgano que se puede examinar, en cambio la mente no se puede ver ni tocar. Son las neuronas que están en nuestro cerebro las que nos ayudan a elaborar juicios, a razonar, y dar forma a nuestros sentimientos para comprender la realidad."

Ahora bien, me enfoque en la "mente" y pude encontrar la siguiente información sobre los tipos de mentes que existen:

La mente líquida. Para hablar sobre el concepto de “mente líquida” o “sociedad líquida” voy a mencionar una síntesis de las teorías del humanista Zygmunt Bauman: "Bauman sostiene que la "sociedad líquida" implica un proceso de individualización, que consiste en la liberación del individuo de las ataduras colectivas y la asunción de una mayor responsabilidad sobre su propia vida. Sin embargo, esta libertad también conlleva una mayor inseguridad, soledad y riesgo."

La mente rígida. Es probable que conozcas a alguien con este tipo de pensamiento.
"La mente rígida es aquella que se resiste a cambiar cualquiera de sus comportamientos, creencias u opiniones aunque la evidencia y los hechos les demuestre que es una autentica equivocación. Las personas con mente rígida piensan que siempre tienen la razón y lo que es peor que los demás están equivocados.

La mente flexible. "El pensamiento flexible es la capacidad de pensar en las cosas de una manera nueva o diferente. Nos ayuda a afrontar la incertidumbre, a resolver problemas, a ajustarnos a los cambios y a incorporar nueva información a nuestros planes e ideas.

Imágen gráfica: Orlando Acosta

¿Diferencia entre Idea y Pensamiento?

Tener pensamientos es actividad mental que continúa sin cesar, la mente tiene un promedio de 42 pensamientos por minuto, y la mayoría del tiempo las personas no saben en qué están pensando.

Por otra parte la idea es el producto o representación mental del pensamiento; surge a partir del razonamiento o de la imaginación de una persona, detrás de ella existe una intención que provocó su existencia. Esa idea es la base de nuestro conocimiento; pues de las ideas hacen más ideas: más complejas y bellas, pero se necesita lo básico para empezar. 

 

¿Qué es pensamiento y la idea escrita?

El pensamiento crea y determina al lenguaje; a su vez, el lenguaje enriquece y revoluciona al pensamiento. De tal forma, ambos mantienen una relación mutua, interdependiente y dinámica. La escritura activa posibilita el desarrollo del pensamiento en funciones como la percepción, la atención y la memoria.

Para poder identificar las ideas relevantes, es importante que tengas en mente el tema que estás investigando y el tipo de texto que estás leyendo. Asimismo, deberás poner en práctica diversas técnicas de lectura, incluyendo la lectura de exploración.

Diferencia entre lengua e idioma

En muchos contextos, no hay diferencia entre lengua e idioma, ya que los dos términos pueden ser utilizados para hacer referencia a un código lingüístico que utilizan las personas para comunicarse. Por ejemplo: lengua inglesa o idioma inglés, lengua o idioma español. 

Sin embargo, en otros contextos estos términos son utilizados para hacer referencia a cosas distintas. La lengua es un sistema compuesto por signos que utilizan los hablantes para comunicarse. En cambio, el idioma es una variedad de la lengua que se utiliza en un lugar específico, es decir, que es la lengua propia de un país, región, nación o pueblo.

Imagen del Imagotipo de la empresa Mente Creativa's Works Inc: Orlando Acosta / Kristen Acosta

¿Qué diferencia hay entre crear y creatividad?

La creatividad es como sembrar semillas. La creación es como cultivar el jardín.

En realidad la creatividad es un recurso que no se agota; las ideas no se acaban, ni se desechan, sino que se pueden ir afinando para desarrollar mejores productos o servicios.

¿Cuál es la diferencia entre imaginación y creatividad?

La imaginación es nuestra capacidad de producir imágenes mentales, ideas, pensamientos e incluso sentimientos que no existen en la realidad y que no están disponibles a nuestros sentidos. 

La creatividad es el proceso de transformar la imaginación en realidad.

¿De qué parte del cerebro vienen las ideas?

Los estudios realizados proporcionan evidencia clara de que el hipocampo, como parte del subsistema del lóbulo temporal medial, apoya la generación de ideas creativas: una prueba más de que la misma región del cerebro que respalda nuestra capacidad de recordar también respalda nuestra capacidad de imaginar y crear.

...y así sucesivamente se puede seguir hurgando en la web para incrementar nuestro conocimiento. Hace un poco más de 20 años jugaba con mi hija con un diccionario, buscábamos una palabra y tratábamos de describir su significado, luego la verificábamos en el diccionario si esta correcto el significado. Una idea práctica es hacer algo similar con niños y jóvenes, sustituyendo el diccionario por la web, bien sea desde el móvil o la computadora.

...recuerda mantener tu mente flexible

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Por favor deja tus comentarios y si estas interesado en proporcionar algún texto o idea a respecto, haznoslo saber que con gusto te atenderemos.

comunicate con:

Saverio Cecere / saveriocecere@yahoo.it

Orlando Acosta / o.acosta12@gmail.com

ALTER-NATIVA

La visión más allá de la imagen.

Saverio Cecere, Solofra, Italia
Orlando Acosta, Naples, FL USA

Theo van Doesburg / Counter-Composition XIII (Contra-Compositie XIII)

¿Cómo nace una obra de arte? ¿De qué meandros profundos de la mente del artista se originan las imágenes que vemos? Intenta imaginar lo que habrían logrado los padres del constructivismo o del neoplasticismo con las nuevas tecnologías y materiales que los artistas contemporáneos tienen a su disposición. Solo podemos imaginarlo, lo que sí sabemos es que después de más de cien años, podemos ver que las vanguardias históricas del siglo XX han transformado nuestra visión de la realidad, llevándonos a aplicar, en nuestra forma de ver y por lo tanto a captar los signos de la realidad fenoménica. Se trata de una nueva relación entre el hombre y la realidad, que se basa en el uso masivo de imágenes que siempre han tenido y jugarán un papel especialmente significativo en las prácticas comunicativas de los individuos. Si esto sucede, es porque el lenguaje de las imágenes puede ser utilizado para representar de manera convincente el entorno cultural y social.

Con la llegada de las nuevas tecnologías, las posibilidades para que los artistas creen nuevas imágenes son infinitas. La tecnología está dando forma al arte contemporáneo a través de la introducción de nuevos medios y herramientas que amplían las posibilidades expresivas de los artistas. Estas herramientas tecnológicas no solo han abierto nuevos horizontes en cuanto a la producción y el disfrute del arte, sino que también han influido en la forma en que se distribuye, vende y comparte el arte, lo que ha llevado a una democratización del acceso al arte y a una mayor interacción entre el público y las obras de arte. De hecho, muchos artistas ya están experimentando con estas tecnologías, para transformar sus experiencias en obras de arte que puedan involucrar al público a través de la imaginación, que, entre otras cosas, no sigue reglas fijas ni vínculos lógicos; Precisamente por eso, representa ese lugar fundamental para experimentar con nuevas propuestas estéticas.

Hablando de arte o artistas, no es necesario escribir toda la historia, de hecho, es importante entender, qué parte de la historia queremos contar? Quizás por eso Orlando Acosta y Saverio Cecere hablan de sí mismos y de sus obras, en este caso, una forma de combatir el aburrimiento de ser siempre la misma persona o hacer las mismas cosas, esa suma de roles y actitudes que adquieren a lo largo de la vida y que acaba moldeando la personalidad. ¿Nunca te has cansado de ser tú mismo y has querido vivir como otra persona? Aquí es donde entran en juego estos dos artistas: "su producción artística no debe ser considerada simplemente el resultado de una tendencia "desvinculada" o "efímera" de la Abstracción Geométrica Contemporánea; el uso de la forma y el color no es una mera satisfacción de necesidades para exhibir la obra, sino que detrás de sus propuestas hay soluciones visuales, hay caminos de conocimiento que permiten que la obra escuche sus propias necesidades comunicativas". 

En ambos casos nos encontramos ante obras que funcionan como un puro juego visual y excluyen la expresión de ideas o cualquier otro elemento fuera de lo estrictamente estético. Dos artistas que pertenecen a la misma generación y bagaje cultural, intentan llevar a cabo una investigación estética "ALTER-NATIVA", donde la obra se convierte en un proceso de transformación, cuyo funcionamiento no conduce a lo "diferente", sino a otra obra, que aunque conceptual y estructuralmente es la misma, es una obra diferente a sí misma, en relación a la percepción de la misma en el espacio, más allá de su espacio, el espacio que ocupa: todo lo que queda fuera del alcance de la percepción del espectador emerge en la superficie de la obra, sintetizarse en una estructura multidimensional, que se desarrolla a diferentes niveles o en varias direcciones, especialmente en el campo del conocimiento y la investigación. La obra se convierte en un sistema de coordenadas, cuyo número de incógnitas es mayor que el número de ecuaciones que admite infinitas soluciones o posiciones que la obra puede asumir en el espacio: La obra es una estructura geométrica dispuesta según un orden que implica diferentes posibilidades de variación. 

Son posibles múltiples lecturas en serie: vertical, horizontal y oblicuamente, o invirtiendo la relación entre la forma y los intervalos. La composición no determina movimientos no virtuales y está sometida a tensiones, traslaciones y rotaciones. La repetición de progresiones y agregaciones no solo da lugar a variaciones, sino a cambios estructurales cualitativos, el hecho de que la estructura parezca ser la misma no debe considerarse una repetición de la misma obra, es una constante que nos permite evaluar las infinitas variaciones estructurales. Lo que transforma la cantidad en calidad es la variación y el ritmo de las combinaciones. Una obra de arte orientada a la calidad es el elemento que le permite obtener un mayor consenso y usabilidad. 

Como decía Howard Newton, "La gente olvida lo rápido que has hecho un trabajo, pero recuerda perfectamente lo bien que lo has hecho", esto quiere decir que, si una obra de arte cumple con las expectativas del usuario, éste puede entrar en el "mundo del juego" convirtiéndose él mismo en un soporte reflexivo dentro de ese juego; El usuario, en este "mundo de juego" a menudo parece sentir emociones, estar involucrado y consciente de que una cosa es lo que el artista propone y otra lo que el usuario espera de la obra. Es necesario, por tanto, ir más allá del nivel perceptivo, de respuesta inmediata en términos de aceptación o rechazo, para llegar a un nivel más profundo de comprensión, sabiendo, además, que, como nos dice E. Kramer: "Artista y público viajan juntos en dos direcciones opuestas; desde la fuente primitiva del impulso creativo hasta su forma final, y de nuevo desde la contemplación de la forma hacia atrás hasta las profundidades de las emociones primitivas contradictorias". (E. Kramer, El arte como terapia, La Nuova Italia, Florencia 1977).

Para profundizar en la discusión, comencemos con dos citas de una entrevista con Marcel Duchamp que son particularmente interesantes ... y también un poco inquietante: "El artista no cuenta... Es la interacción con el público lo que hace la pintura. Sin eso, la pintura desaparecería en un desván, ninguna obra de arte existiría realmente. La obra de arte siempre se basa en dos polos: el público y el autor, y la chispa que surge de esta acción bipolar da vida a algo, como la electricidad. No hay que decir: "es un gran pensador porque produce la obra de arte". El artista no produce nada hasta que el espectador dice: "Has producido algo maravilloso. El espectador tiene la última palabra".

Imágenes Orlando Acosta

        

Structure Opus 046 (Posición Original)

Structure Opus 046 (Posición rotada hacia la izquierda)

Structure Opus 046 (Posición rotada hacia la derecha)

Structure Opus 046 (obra múltiple, 2 piezas iguales)

Structure Opus 046 (obra múltiple, 3 piezas iguales)

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Imágenes Saverio Cecere

Políptico Nº 4/2000 - estructura tridimensional formada por varios elementos (módulos) 

de plexiglás unidos entre sí, en negro y azul - Tamaño: 350 X 150 cm.

Políptico Nº 4/2000 - estructura tridimensional formada por varios elementos (módulos) 

en plexiglás unidos entre sí, en negro y rojo - Tamaño: 350 X 150 cm.

Estructura tridimensional en plexiglás cortado con láser Nº. 34/2019

Horizontal blanco / Tamaño: 60X60 cm

Estructura tridimensional en plexiglás cortado con láser Nº 34/2019

vertical blanco /60X60 cm

Políptico Nº 8/ 2020 - estructura tridimensional compuesta por varios elementos (módulos) en plexiglás

unidos entre sí, en negro y rojo óxido - Tamaño: 400 X 120 cm.

Políptico Nº 4/2020 - estructura tridimensional formada por varios elementos (módulos) en plexiglás cortado con láser - unidos entre sí, amarillo y negro - Tamaño: 400 X 120 cm.

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"Algo que se puede enseñar, pero que primero quiere ser mostrado. Porque enseñando aprendemos, citando a Schopenhauer. Y no podemos enseñar nada, citando a Sócrates: solo podemos hacer que la gente piense y reflexione sobre lo que hemos hecho y seguimos haciendo".

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Después de leer y mirar las imágenes de las obras, les dejo la última palabra. Si quieres colaborar, cuéntanos iniciativas interesantes o simplemente contacta con nosotros.

saveriocecere@yahoo.it

o.acosta12@gmail.com